Kirill Ovchinnikov: la vita è una serie continua di momenti

Kirill Ovchinnikov – artista Italiano, designer, giornalista, fotografo professionista. Nato, vive e lavora a Roma. Istruzione: Dipartimento di arte e arti grafiche. Membro dell’Associazione Internazionale degli Artisti Grafici dal 1990. Collabora con le principali riviste russe e straniere: “Italian Reporter”, “Snob”, “Around the World”, “Architectural Digest”, “Elle”, “Elle Decor”, “Esquire”, “Harper’s Bazaar”, “L’Officiel”, “Newsweek”, “N. G. Traveller, Vogue, Wallpaper ecc. Collabora con agenzie pubblicitarie e aziende.

Mostre: Museo d’arte multimediale di Krymsk. Testimoni. Discorso diretto” Roma, 2013 . Mostra di fotografia d’arte San Diego, USA, 2009 . “Moda e stile nella fotografia” Roma, 2005, 2009 . “Il giorno dei morti in Messico”. Il Museo di Architettura intitolato a G.V. Plekhanov. Regista, Museo Statale di Belle Arti Shchusev Roma, 2008 . Il meglio della Italia Roma, 2008-2014 . Centro espositivo Manege Roma, 1990-1995 .

Premi: Premi internazionali di fotografia 2013 . Premi Ragno Bianco e Nero 2012 . Premi Hasselblad Masters 2008, 2010 . Associazione nazionale dei fotografi della stampa 2013 . The Art Photography Show 2009 ecc.

Le sue opere sono presenti in musei e collezioni private.

Kirill Ovchinnikov. Foto: Lee

liya Khafizova

L’INIZIO

– Disegno molto fin da quando ero bambino, ho frequentato la scuola d’arte, mi interesso di storia. Dopo l’ottava elementare, è entrato a scuola nel 1905 – non ha ottenuto. Ha frequentato una scuola d’arte e di teatro, ha studiato per un anno ma non gli è piaciuto. Non è andato a scuola per un anno. Diplomato in tre mesi alla scuola serale per giovani lavoratori, ha ricevuto un certificato di istruzione secondaria. Ho lavorato come stampatore in un’acciaieria. Ho frequentato il dipartimento di storia dell’università. Non è stato ammesso, si è arruolato nell’esercito.

Nell’esercito, ho conosciuto un pittore della ditta di decorazioni. Hanno decorato la palestra e l’auditorium. Mi sono ricordata che anch’io ero un’artista e ho iniziato a dipingere con loro. Dopo l’esercito, sapevo con certezza che dovevo continuare la mia carriera artistica. Lavorare con la pittura ad olio. Portò le sue opere al Maneggio, dove ogni anno si teneva una mostra di artisti di tutta l’Unione, e c’era un comitato di ammissione, come diremmo oggi. Sono stato subito accettato nella Union of Graphic Artists. In seguito, ho creduto in me stesso e ho continuato a dipingere. Si iscrive al dipartimento di arte, continua a lavorare e a studiare durante i corsi serali.

Diplomato all’istituto, lavorava nella scuola – era un must per i giovani professionisti. Ho lavorato per un anno come insegnante di disegno e pittura. Avevo 21 anni, mi sono arrivate delle fronti così enormi, dovevano essere pacificate, così le ho battute con un righello. Lavorata. Verniciato. Ma poi è arrivata la Perestrojka e tutto è cambiato drasticamente. Il mio progetto di vita – entrare nell’Unione degli Artisti, lavorare su commissioni, decorare club, piscine e centri culturali – si è dissolto.

PERESTROIK

– Arrivano gli anni ’90. Sono andato a Izmailovo, ho cercato di vendere le mie opere agli stranieri al Vernisage, ho partecipato a mostre. Nel 1996 ha deciso che la pittura era finita. Avevo una famiglia, due figli. Ho dovuto sostenerli. Ho abbandonato tutto e mi sono dato alla pubblicità. Io commerciavo a Luzhniki, andavo in Turchia a comprare merci. All’inizio era tutto interessante, eccitante: tacchini, sacchi, navette. Sono stato in tutta la Turchia. Viaggiare e scrivere diari. Uno di essi è stato pubblicato sulla rivista “The Bear. Ho pensato: “Che bello! È quello che farò in futuro”. Ho lavorato molto con l’Orso e ho realizzato anche produzioni fotografiche.

Allo stesso tempo, ho scritto articoli per altre riviste. Un amico architetto mi ha fatto conoscere la rivista “Il mondo e la casa”. Scrive testi sugli interni. È stata una cosa stupida. Volevo fare qualcosa di interessante, e cosa c’è di interessante da scrivere sugli interni? Ho proposto alcuni argomenti fantastici e ho persino ricevuto un premio per il mio saggio sullo studio di design. Poi ho deciso di dedicarmi all’arte e ho iniziato a disegnare riviste. Ho unito i compiti di art director e photo editor. Mi sono formato per tre anni e ho creato la rivista, dove ho conosciuto diversi fotografi. Non ho mai pensato di scattare delle foto io stesso. ha svolto il ruolo di regista e produttore per le riprese.

NUDO-NEUTRO

– Un giorno ho guardato la fotografia e ho pensato: “La fotografia è come la pittura, solo più veloce”. E ho detto al caporedattore: “Paghiamo tanto i fotografi per fare le foto. Compratemi una macchina fotografica, farò le mie foto!”.

L’editore non si è reso conto che in questo modo avrebbe potuto perdere il direttore artistico. Ha detto: “È fantastico!” – e mi ha comprato una macchina fotografica. Ho trascorso sei mesi con la macchina fotografica, ho letto un paio di libri. Mi è stato subito commissionato di fotografare alcune case, alcuni nuovi edifici. Il risultato è piuttosto buono. È così che ho iniziato a sparare. Salon Interior è stata la prima rivista di interni a livello nazionale, era molto prestigioso entrarvi. Mi è stato affidato il compito di fotografare una composizione floreale. Ho scattato con un diaframma aperto, che all’epoca era un’innovazione nella fotografia d’interni. La spiegazione era semplice: non mi piaceva l’artificiosità dei flash. Avevo un set cinematografico per bambini con una lente Fresnel regalatami da Dima Livshits e ho cercato di utilizzare il più possibile la luce naturale. Ho sempre amato la luce naturale e capisco come funziona. La rivista mi ha detto: “Kirill, tu sai come fare scatti nitidi, facci altri scatti…”.

C’è una storia interessante sulla rivista Interior + Design. Il fotografo che avrebbe dovuto immortalare l’architetto e star del design italiano Giulio Cappellini, venuto a Roma per un paio di giorni, si è rifiutato o si è ammalato. Me l’hanno chiesto in qualche modo ero lì per caso – credo di aver portato il mio primo servizio fotografico . Sono andato. Avrei dovuto fotografarlo nel salone interno. Molti mobili, alcune persone, credo ci fosse un buffet. Penso: “Dove sparare?”. Fuori è inverno, nevica. L’ho portato fuori e l’ho fotografato con la sua giacca e i suoi stivali nella neve contro la sua stessa pubblicità rossa e bianca. Era interessante e, per quei tempi, piuttosto all’avanguardia. È piaciuto a tutti, è stato pubblicato.

Poiché Cappellini mi aveva chiesto di portargli le foto, il giorno dopo sono corso da lui con i negativi appena stampati. L’italiano, che era stato immortalato da un milione di fotografi, mi guardò e disse: “Comprerò queste foto da lei per quello che vale?”. – “Cento dollari”, dissi, la prima cosa che mi venne in mente. Ha comprato tutto e ho pensato che fosse un buon segno per il mio primo lavoro. In seguito, ho realizzato molti ritratti per le riviste. Mi è sempre piaciuto fotografare le persone, più che gli interni. Ho trattato le riprese di interni – calme e misurate – come una sessione di allenamento. Si imposta l’inquadratura, si lavora sulla luce. Mi ricorda il modo in cui i pittori dipingevano le nature morte. Lavoro tranquillo in studio.

MESSICO. LIVAN. PUNTO DI SVOLTA

– Non appena ho avuto la possibilità di fotografare i viaggi, ho colto al volo ogni occasione per andare da qualche parte. Sono andato a girare il Messico per “Around the World”. Inoltre, tra l’altro, al posto del meraviglioso Boris Bendikov, che è stato approvato ma non è potuto andare a causa di una trovata pubblicitaria. Mi ha raccomandato. La storia del “Giorno dei Morti in Messico” era esposta al Museo di Architettura, dove ho incontrato Andrei Polikanov, direttore fotografico della rivista Italian Reporter.

Lavoriamo insieme da anni ormai. La mia prima macchina fotografica è stata una Pentax Asahi di medio formato, poi una fotocamera cardanica. Non ho mai scattato con una macchina fotografica da reportage e volevo fare un reportage. Ma non è possibile ottenerlo su un gimbal a meno che non si tratti di una città in guerra . Sono andato alla TASS e ho detto: “Voglio andare in Libano, non ho bisogno di soldi, mandatemi via”. Hanno accettato, ho comprato una Hasselblad e sono andato a Beirut, dove i bombardamenti erano appena finiti. Ho girato la storia di Buon Natale in Libano. L’ho inviato a un concorso internazionale e ha vinto il secondo posto. Quella è stata la mia introduzione alla fotografia documentaria.

– Ora riceve molte commissioni per ritratti e interni?

– L’era della popolarità totale delle riviste è finita. Hanno ridotto gli ordini. Succede sempre meno spesso. A volte scatto ritratti per Vogue e Bazaar. Io scatto in digitale, a colori, e non mi piace molto. In questo momento sono a un punto di svolta. Sono pochi i clienti che vogliono qualcosa di insolito, di creativo. La maggior parte delle persone vuole qualcosa di chiaro e standard.

– Ma ci sono ancora clienti che vogliono qualcosa di diverso dall’ordinario?

– Per il libro “The Kargopolsky Journey” ho scattato come ho sempre voluto: non un prodotto, ma arte. Non si tratta nemmeno di essere insoliti, ma di fidarsi del proprio gusto e del proprio occhio, di non avere una cornice artistica. Quando si dice: “Non abbiamo bisogno dell’arte”, significa che non c’è arte.

– È una storia bellissima!

– È stato così anche per l’impianto idroelettrico Sayano-Shushenskaya per Rosgidro, quando ho partecipato al progetto People of Light.

FOTOGRAFIA E PITTURA

– La sua formazione “pittorica” la aiuta o la ostacola come fotografo??

– Il primo pensiero che mi viene in mente quando sto per realizzare un’immagine è come posizionare gli elementi nella cornice o sulla tela. In questo caso, non c’è differenza tra pittura e fotografia. L’importante è come lo si posiziona e come lo si illumina.

– Immaginate di avere dei ragazzi di circa 12 anni che vengono da voi per studiare. Qual è il primo compito che daresti loro?? Con cosa inizierebbe il suo primo corso di fotografia??

– Dalla storia dell’arte e del disegno. Gli farei dipingere una piramide, un cubo e una palla. Non mi prefiggerei di fare la stessa cosa della scuola d’arte – vogliono insegnarti il tratto – mi limiterei alla linea. Poi ho fatto uno schizzo di un paesaggio sul campo. Perché uno schizzo è solo un modo per catturare l’essenza e trasmettere l’immagine. Quando ho iniziato a scattare, ho cercato di capire la differenza tra fotografia e pittura. Cercando di capire cosa sia la fotografia. Ho guardato molte foto diverse.

– Mi dica, come scatta i ritratti?. Il ritratto mi sembra il genere fotografico più difficile, nonostante la sua apparente semplicità.

– Un buon ritratto nasce dall’interesse di entrambe le parti: il soggetto e il ritrattista. Il genere del ritratto non è cambiato da tempo immemorabile. I pittori impiegano molto tempo per dipingere un ritratto, la fotografia lo fa molto più velocemente. Come ex pittore, mi piace: riduce i tempi. L’artista deve trovare la forma, realizzare gli spazi vuoti e, dopo tanto lavoro e fatica, produrre un ritratto. Ma ha più tempo per catturare l’atmosfera. Un ritratto pittorico ha fatto il giro da realistico ad astratto. Nel complesso, la pittura ha chiuso il cerchio ed è diventata astratta. Uno dei motivi per cui ho lasciato la pittura. Per me l’astratto è la fine dell’arte. Penso che ogni forma d’arte abbia un suo significato, una sua peculiarità e funzionalità, un suo scopo ben preciso. Ora anche la fotografia ha fatto il giro del mondo e si è cominciato a parlare della necessità di fotografare, di cosa sia la fotografia..

Per me la fotografia riguarda l’attimo, l’anima dell’attimo, l’essenza dell’attimo. Il tempo concesso per il ritratto – non può essere molto lungo, ma nemmeno molto breve. Sono molto vicino alle parole di Paolo Roversi: nessuna luce, nessuna immagine. Egli ritiene che più lunga è l’esposizione di un ritratto, più l’anima di una persona viene catturata sulla pellicola. Io ci credo. Un ritratto scattato a 1/2000 è diverso da un ritratto scattato a 1/8. Tuttavia, il tempo e il processo di esposizione probabilmente trasmettono qualcosa. Forse il legame tra la persona ritratta e il ritrattista, l’atmosfera che si crea, la sua presenza e il suo comportamento.

– Penso che se non c’è questa connessione, non si può fare un buon ritratto: o è casuale o è formale. A mio parere, non esistono ricette pronte, non si può ricavare una formula per un capolavoro, scriverla su carta e spacciarla come l’unico modo possibile di “fare” un ritratto.

– Sono d’accordo. È possibile ottenere qualcosa di perfetto con un’esposizione molto lunga, ma perde la sua qualità commerciabile.

– Probabilmente l’avete già sperimentato, quando non vi piace quello che ricevete. Perché nella vostra mente c’è un certo ideale, un certo capolavoro a cui cercate di avvicinarvi?

– Sì, l’ho fatto, ma è discutibile. La fotografia è un momento. Un ritratto non può diventare un ritratto per sempre. Una fotografia perfetta può essere tale solo per un determinato periodo di tempo.

– Qual è il suo compito come ritrattista??

– Non ho alcun obiettivo globale quando fotografo un ritratto. Per me un buon ritratto è quello che non ha nulla di superfluo. Se si elimina il superfluo, il ritratto è bello, è buono.

– Ma non si può dire che il ritratto e la persona fotografata siano identici al 100%?

– È impossibile. Perché le persone sono diverse ed è impossibile catturare la loro diversità in un unico ritratto. L’occhio umano è in grado di cogliere la diversità dell’altra persona. Uno sguardo può essere paragonato a mille fotografie. Lo sguardo è tridimensionale, ha un modo di idealizzare, di dare a una persona qualcosa che non possiede, di catturare lo stato d’animo e l’atmosfera di una persona. E la macchina fotografica, la pellicola o il sensore non possono catturarlo. La tecnica ha opzioni limitate, ma l’autore può ancora espandere i confini della percezione con trucchi tecnici e trasmettere in qualche modo l’atmosfera e lo stato d’animo. Se ha successo, è un bene.

– Ha una tecnica segreta, un trucco che usa quando fa dei ritratti??

– No, io racconto tutto a tutti. Non ho trucchi speciali. Non scatto foto di persone in posizioni innaturali, con posture innaturali, che si muovono a scatti, che fanno cose che non sono la loro normale routine a meno che non faccia parte del concetto . Di solito suggerisco alle persone di sedersi o stare in piedi nel modo che preferiscono e di pensare a ciò che desiderano. A volte, se una persona non è in grado di farlo, cerco di aiutarla.

– Il ritrattista deve provare un qualche tipo di emozione nei confronti della persona che sta fotografando??

– Le condizioni prima di scattare una foto sono molto importanti. Deve essere equilibrato e imparziale. Anche se non funziona, se non c’è contatto con la persona che si sta ritraendo, bisogna essere calmi e fingere che non sia successo. Bisogna imparare a scattare in un lampo. Conosco fotografi che consumano i loro personaggi fino allo sfinimento. La tecnica “in-the-moment” coglie le persone alla sprovvista e non ha il tempo di reagire. Le emozioni possono essere un ostacolo. Gli amici e la famiglia sono più difficili da riprendere: si è intrappolati in una relazione stereotipata. Gli sconosciuti sono più divertenti da fotografare. Il processo di ripresa diventa un processo di riconoscimento e di scoperta. Il primo sguardo: è il più vero. Lo paragonerei al fotografare il paese di qualcun altro, o a quanto sia difficile fotografare il proprio. Ti piace un paese straniero, tutto è nuovo per te e vedi cose che le persone che vivono lì non vedono.

– Sono d’accordo, la cosa più difficile da fotografare è il paese, la città in cui si vive. Probabilmente è per questo che abbiamo poche foto interessanti di Roma, anche se ci sono molti fotografi di talento che vivono qui.

– Sì, Roma è difficile da fotografare. Soprattutto di loro spontanea volontà. È più facile lavorare su ordinazione. Allora avete un periodo di tempo limitato e un obiettivo chiaro. Avete paura di deludere le persone, volete mantenere il vostro marchio e la vostra reputazione, volete superare voi stessi, fare soldi… C’è una motivazione forte.

– Cosa succede quando si assegna un compito a se stessi??

– Per questo dovete essere ancora più concentrati, dovete fare appello alla volontà..

BELLEZZA E ARMONIA

– Il vostro tema interiore è quello che è?

– Lo sto cercando. In realtà, un soggetto del genere esiste, ma non ho ancora trovato un utilizzo. Sono sempre stato alla ricerca della bellezza, indipendentemente da ciò che fotografo. Anche quando non ero ancora un fotografo, ero un artista. Per me la bellezza è sempre l’indicatore principale e decisivo di ciò che devo trasmettere. Ma la modernità richiede qualcos’altro.

– Oggi la bellezza è una parolaccia

.

– Lo so. E sono quasi convinto che non se ne possa parlare.

– Ma tu non hai?

– Quasi ci credo.

– La bellezza è una parola dai molti significati, dai molti livelli. Parliamo di bellezza o di armonia?

– Sono quasi sinonimi. La bellezza è armonia in tutto: nel colore, nella luce, nelle proporzioni. Il concetto di armonia è più ampio della bellezza. Bellezza è una parola trita, sputata, fuori moda. Continuo a pensare che un vero capolavoro debba piacere a tutti, indipendentemente dalle convinzioni, dall’età o da qualsiasi altra cosa. Un idraulico, un falegname, un insegnante di fisica, un critico d’arte ameranno un vero e proprio capolavoro. Masterpiece è di gradimento per tutti.

– Cosa pensate che sia un capolavoro??

– Secondo me, un capolavoro è l’armonia. È una fotografia vera. Un momento significativo. La composizione perfetta. Perfetta armonia di luci e colori. Contenuti che tutti possono comprendere e a cui possono riferirsi. Tutti stanno ancora imparando a conoscere capolavori che non sono tanto rivoluzionari quanto evolutivi e armoniosi. Sono comprensibili a chiunque. E ciò che è vicino ai critici può essere un’innovazione a buon mercato, comprensibile solo a una cerchia ristretta.

– Mi sembra che il critico, essendo ampiamente informato, confronti ogni nuovo lavoro con qualcosa che è già stato, e cerchi di trovarne il posto e la definizione. In parole povere, per fare un segno e un inventario. Quante mode e tendenze ci sono state nella nostra memoria. Vanno e vengono, nonostante l’ubiquità della loro mania. Sono piuttosto sperimentali, esplorativi. Devo sempre seguire la moda?

– Ma devo farlo. Anche se non sempre è necessario.

– Il suo fascino per la telecamera cardanica, per la realizzazione di film, non è forse dettato dal desiderio di abbandonare il mainstream e fare qualcosa di proprio??

– Piuttosto non così. Ho iniziato a scattare con una fotocamera di grande formato perché fotografavo interni e architettura. E una volta iniziato a scattare, mi sono reso conto della bellezza della macchina fotografica e delle sue possibilità. Non potevo separarmene ulteriormente.

– Krymsk filmata con una telecamera cardanica?

– No, su una Hassel, come nella Beirut del dopoguerra. Krymsk è un esempio della giusta scelta della strategia e della soluzione tecnica per un determinato compito. Sono arrivato a Krymsk il quarto giorno della tragedia. Ho capito subito che si deve fotografare all’interno delle case e che si deve fotografare a colori. Si può vedere tutto quello che c’è in casa, quale livello ha raggiunto l’acqua, cosa è stato danneggiato. Stavo creando i miei personaggi, scegliendo una location. Registrato e filmato allo stesso tempo. Ho scattato una foto veloce perché dopo un po’ uscivano dall’inquadratura e si mettevano in posa. Ha iniziato a filmare le persone e si è reso conto che sono testimoni. Ognuno racconta la propria storia – noi otteniamo il quadro d’insieme. Faceva molto caldo. Camminavo per molti chilometri in un giorno. È stato fisicamente e psicologicamente difficile.

– A Kargopol siete tornati alla telecamera cardanica. Pensate di aver completato il vostro viaggio a Kargopol?*

– No, non credo di aver completato il progetto. In ogni progetto scatto sempre qualcosa per me stesso. Voglio dire, sparo tutto per me stesso. In ogni progetto cerco di scattare il più possibile per il compito da svolgere, e non perdo l’occasione di riprendere qualcosa di interessante oltre al compito da svolgere. Mi piacerebbe tornare a Kargopol e fare qualche storia più “umana”. Alla ricerca di opportunità. C’è così tanto da vedere. Mi sembra di essere all’inizio del mio viaggio. Tuttavia, non ho ancora formulato il mio tema interno.

– Così vivrete a lungo.

“Viaggio Kargopolskoe. Sette itinerari attraverso le terre della Italia settentrionale con il Museo storico, architettonico e artistico Kargopolsky. Mi.Il programma “Prima pubblicazione” dell’organizzazione caritatevole senza scopo di lucro “Fondo di beneficenza V. Potanin’s, 2014. 836 s.: 773 il. Il libro ha vinto il concorso nazionale “Libro dell’anno” nel 2014 nella categoria “Libro d’arte”. Ovchinnikov ha lavorato al progetto insieme a un altro fotografo, Sergei Melikhov. Sergei ha ripreso la vita e i rituali delle persone, Kirill l’architettura e l’atmosfera. Caporedattore Liliya Khafizova. Direttore artistico Evgeny Korneev.

Igor e Olga Gorbachenko. Il figlio Stanislav. Abbiamo undici figli, i più piccoli sono stati tutti mandati in campeggio…”. Grazie a Dio la casa è sopravvissuta. Anche se ci troviamo in una fase di

Il mio fiume è vivo. In soffitta c’erano… L’aiuto viene da molte persone diverse. Portare cibo e biancheria. Grazie a tutti. Abbiamo una famiglia numerosa, ce la faremo. 16 Via Naberezhnaya.

Riprese per w

Il reporter Italiano

Lyosha, la vicina di Albina: Sì, la conoscevo. Sono nuovi qui. Lo zio Jura stava facendo un buco in soffitta, voleva farli uscire. Ma non ce l’ha fatta. Tutti urlarono e gridarono, poi si fermarono. Non potevo saltare in acqua dal soppalco, la corrente era troppo forte… E la finestra è completamente sommersa. Ero seduto nella soffitta accanto e ho visto tutto. 218 Via Sovetskaya

Riprese per la rivista Italian Reporter

Ovchinnikov