Natura morta: natura morta o vita silenziosa?

Quasi tutti i generi tradizionali della pittura sono diventati anch’essi tradizionali se questo era tecnicamente possibile al momento della comparsa della fotografia. Notevoli manufatti della storia della fotografia – le immagini di Niepce su lastre di metallo con un tempo di esposizione di otto ore – sono stati un paesaggio e una natura morta. E se la prima immagine “Vista dalla finestra” può essere considerata la prima fotografia “diretta” non in scena, la “seconda immagine” che purtroppo è sopravvissuta solo nelle riproduzioni – una natura morta con una bottiglia, un bouquet, un bicchiere e un pezzo di pane – è un esempio di “realtà costruita”, una fotografia in scena, con una composizione ponderata e, forse, un certo significato simbolico.

1. André Kertész. Forchetta, Parigi, 1928

Le nature morte del XIX secolo si ispiravano a un’ampia varietà di tradizioni pittoriche come del resto altri generi della fotografia giovanile . Busti scultorei, libri, stoviglie, magnifici grappoli d’uva, fiori, teschi, clessidre, giochi battuti… La fugacità del tempo, l’inutilità delle speranze, il godimento della terra o l’esaltazione della modestia, e l’ammirazione per la capacità della fotografia di trasmettere la consistenza, la scala e il dettaglio fine.

Lo still-life è spesso utilizzato non solo per esprimere allegorie tradizionali, ma anche per esprimere una considerazione specifica della fotografia e del suo posto nelle belle arti. Lo storico della fotografia Ian Jeffrey nota un notevole numero di nature morte composte da rastrelli, pale, vanghe e altri attrezzi per il giardinaggio e la falegnameria.

Le riflessioni dei fotografi sul lavoro manuale sembrano equiparare il proprio lavoro all’artigianato – naturale e onesto. Ma la rivendicazione della fotografia nel regno della grazia è evidente fin dall’inizio. La fotografia è un ibrido misterioso. Belle nature morte, simili a dipinti olandesi o fiamminghi, sia artificiali che “sparate”, ottenute, prelevate, come alcuni esemplari geologici.

Forse una delle nature morte più “fotografiche”, che non ha analoghi tradizionali nella pittura pre-modernista, è una natura morta senza soggetto, composta da oggetti casuali ripresi in frammenti o da angolazioni insolite, valorizzata solo per la sua forma. Questo tipo di natura morta compare negli anni Venti e nei primi anni Trenta. È un periodo di sperimentazione della forma, di sviluppo di nuovi linguaggi artistici per descrivere e analizzare il mondo che cambia.

Puzzle visivi, piani intersecanti di pezzi di vetro, specchi e carta, semplici e familiari cucchiai, forchette e piatti disposti in modo illogico, brutalmente ritagliati, illuminati in modo drammatico, che entrano ed escono dal conflitto spaziale l’uno con l’altro in modo spiritoso. Ci sono anche strane combinazioni di oggetti che normalmente non si incontrano sulla stessa superficie, ma che inaspettatamente si presentano in una fotografia dando luogo a interessanti impressioni visive e associazioni inaspettate. Queste nature morte, che incantano per la loro squisita stranezza, vengono utilizzate abbastanza rapidamente nella pubblicità. Un esempio notevole è il famoso “Collar” di Paul Outerbridge o le pubblicità di Edward Steichen.

La prima metà del XX secolo è stata l’epoca della consecutiva autodefinizione della fotografia, l’epoca in cui ha realizzato una propria estetica e filosofia, un rapporto speciale con la realtà e con il simbolo, diverso da quello delle altre forme d’arte. L’approccio classico allo still life fotografico prende forma negli anni Trenta, quando il gruppo f/64 proclama il suo manifesto. La fotografia, accettando le sue convenzioni e i suoi limiti naturali senza imitare la pittura, può catturare, rivelare e spiegare la bellezza della semplice vita quotidiana elevando gli oggetti familiari al livello della generalizzazione simbolica. Piante in vaso, uova e bottiglie di latte, verdure dell’orto, stoviglie e utensili domestici possono essere trasformati dalla fotografia in gioielli.

2. Alexander Sliussarev. 1970-1980.

3. André Kertész. Nello studio di Mondrian, Parigi, 1926

Gli esperimenti modernisti che chiarirono la capacità della fotografia di mostrare l’ordinario in modo insolito, ma in modo tale che la realtà potesse ancora essere riconosciuta in modo inequivocabile, spianarono la strada alle nature morte di Edward Weston, che, secondo Ansel Adams, “ricreava il mondo intorno a sé, trovando nelle cose i loro punti in comune”. Le generazioni successive di fotografi, da Sudek a Mapplethorpe, che hanno scelto questa strada, non sono andate oltre un insieme limitato di oggetti: vetro, porcellana, frutta, fiori. Manipolando magistralmente l’illuminazione e la composizione, hanno creato numerose variazioni sulla classica natura morta, ampliando gli orizzonti dello sguardo senza contraddire le nozioni convenzionali di bellezza.

Il fotografo che oggi si dedica allo still life può assimilare uno qualsiasi dei modelli preesistenti e continuare la tradizione. Tuttavia, molti sono più interessati ad analizzare questa tradizione e a speculare sul posto e sul ruolo della fotografia come arte e documento e dell’artista come interprete. Lo still life diventa uno strumento di ricerca sulla natura morta.

Ad esempio, l’artista americana Sharon Corr riproduce meticolosamente nelle sue fotografie le nature morte di Raphael Peel, un artista dell’inizio del XIX secolo, spendendo quasi più energie per produrle che il pittore stesso per dipingere i suoi quadri e ne produsse parecchi . Nel tentativo di ottenere una somiglianza illusionistica con un dipinto e di riprodurre fedelmente lo spirito e lo stato d’animo dell’epoca, Sharon Corr coltiva fiori e ortaggi nel suo orto le varietà simili a quelle del XIX secolo erano più piccole di quelle odierne , acquista piatti e vasi da antiquari dell’inizio del XIX secolo e lavora attentamente sul colore, facendo assomigliare le sue fotografie ai dipinti. Così come lo stesso Raphael Peel, nei suoi dipinti, si sforzava di ottenere il massimo del realismo e dell’immedesimazione nella vita.

Il risultato? Quello che vediamo è un dipinto o una fotografia? Antico o contemporaneo? Vero o falso? Originale o riproduzione? Ma, in ogni caso, nel complesso sembra bello e attraente. Compositivamente verificato e colorato, tranquillo, elegante e tradizionale. Bene o male, e soprattutto perché?? Cosa ci aspettiamo dalla natura morta, quale significato le attribuiamo??

Quanto è diversa la nostra interpretazione di una tale natura morta da quella di uno spettatore del XIX secolo? Il fotografo, attraverso un lavoro minuzioso, traduce la riproduzione di un dipinto in soggetti che lo raffigurano e realizza fotografie che sembrano riproduzioni di un dipinto. La realtà immediata esiste o ci viene nascosta dalle molteplici costruzioni culturali attraverso le quali la guardiamo??

Laura Letinski, un’altra autrice, realizza fotografie di still life compositive nella migliore tradizione accademica ciò è enfatizzato dalla tovaglia bianca o dal drappeggio elaborato . Sono presenti anche i temi della dissolvenza, della frenesia dell’esistenza e dell’estremità dell’abbondanza terrena, tradizionali della natura morta. In effetti, quasi tutte le nature morte di Letinski hanno a che fare con questo aspetto. Ma i soggetti che ci vengono mostrati non possono essere definiti consacrati a una tradizione secolare.

Bicchieri di plastica sporchi, monconi, avanzi spalmati in modo antiestetico sui piatti, confezioni accartocciate e rifiuti vari… Le conseguenze di una festa sontuosa o di un modesto pasto familiare avevano un aspetto orribile, nonostante la composizione elaborata, l’illuminazione interessante e i colori tenui. L’effetto potrebbe essere stato un po’ attenuato in un’immagine, ma la fotografia ci mostra una realtà familiare, da cui è difficile astrarre.

Letinski esplora la possibilità e l’essenza della natura morta nel nostro tempo. Quando ha iniziato a scattare foto di nature morte, ha cercato abitualmente di assemblarle con oggetti dal significato simbolico, per renderli parlanti. Ma i risultati di questi sforzi sembravano deliberati, artificiosi, falsi. L’uomo moderno, la cui percezione visiva è quasi interamente definita dalla fotografia, ha smesso da tempo di pensare in termini di simboli. Le cose raffigurate non hanno più lo stesso significato che avevano nel XVII secolo.

Può darsi che nella natura morta contemporanea l’atmosfera sia più importante del segno e che gli oggetti siano resi significativi dalla loro descrizione. La fotografia e le reazioni ad essa rivelano il modo in cui la società si rapporta al soggetto. Modelliamo il nostro ambiente, arrediamo le nostre case, consumiamo beni – in gran parte inconsapevolmente, ma comunque tutti i nostri comportamenti sono condizionati culturalmente. Interessante guardare e scoprire come funzionano le cose. Le nostre reazioni alla fotografia, il nostro apprezzamento e le nostre associazioni, e il modo in cui tutto questo viene definito, sono l’oggetto della ricerca del fotografo. Conduce questo studio utilizzando come strumento la natura morta.

I fotografi che preferiscono la realtà “trovata” piuttosto che quella “costruita” sono impegnati nello stesso tipo di ricerca culturologica. Autori come Wolfgang Tilmans, Nigel Shafran e molti altri affrontano la stessa questione da angolazioni diverse: la capacità della fotografia di dare significato a un oggetto, di creare significato. Le loro nature morte hanno un aspetto del tutto spontaneo e quindi beffardo. Lo spettatore, che si aspetta dall’artista almeno un minimo di editing della realtà, rimane perplesso: cosa c’è di bello nei piatti non lavati nel lavandino, nelle riviste sparse caoticamente sul tavolo, nei fazzoletti di carta e nei mozziconi di sigaretta nel posacenere??

Lo spettatore conservatore continua a tornare al postulato del filosofo Roger Scruton di qualche decennio fa: una bella fotografia è una fotografia di un bell’oggetto. Se si considera bello l’oggetto raffigurato nell’immagine, allora lo è anche l’immagine. Naturalmente ci possono essere delle eccezioni, che non fanno altro che confermare la regola.

La fotografia dispone di un arsenale che le permette di trasformare il brutto in bello, come si può vedere, ad esempio, nel lavoro di Edward Weston e Irving Penn, che riescono a dare un tocco nobile a un ortaggio sgradevole o addirittura a un mozzicone di sigaretta, ma i loro sforzi sono evidenti per lo spettatore, che li apprezza. Il fotografo non ha catturato tutto così com’era, ma ha lavorato con attenzione, componendo, illuminando, mettendo in risalto qualcosa, mascherando qualcosa… La fotografia conferisce un nuovo significato e valore alla realtà, trasformandola.

Tuttavia, le nature morte “ritrovate” non sono affatto così semplici. Sono spesso loro a porre la domanda: come la fotografia dà origine al significato?? Quanto deve essere alterata la realtà perché noi la possiamo ammirare? Forse basta una semplice istantanea per far sì che l’immagine fotografata sia già percepita simbolicamente? Una pila di piatti cresce, l’illuminazione cambia, un fiore in un vaso sboccia – e così la vita va avanti, giorno dopo giorno. Come viviamo, come creiamo inconsciamente l’ordine, facendo costruzioni con le cose, organizzando il mondo che ci circonda? E infine, perché non vogliamo pensare a un’opera d’arte, a un soggetto di natura morta? O vogliamo?..

4. Andrey Rogozin

5. André Kertész. Occhiali e tubo di Mondrian, 1926