Panoramica della XIV Mostra fotografica internazionale: Italian Photo al FotoFest 2012 di Houston

Italian Photo al FotoFest 2012 di Houston: una nuova tendenza globale o la celebrazione di eroi sconosciuti?

FotoFest, la XIV Biennale Internazionale di Fotografia e Arte Fotografica, si è tenuta a Houston, California, USA, da marzo ad aprile 2012. Il tema principale era “La fotografia russa contemporanea”.

Nikolay Matorin. Ritmo di lavoro.

1960. Collezione del Centro fotografico Gorky. Fratelli Lumiere

In passato, il FotoFest* si è guadagnato un’ottima reputazione per aver presentato per la prima volta al pubblico fenomeni fotografici sconosciuti e poi riconosciuti. Ha attirato l’attenzione della comunità professionale internazionale sulla fotografia coreana, ha tenuto la prima dimostrazione su larga scala della fotografia cinese e quasi vent’anni fa ha introdotto l’arte della fotografia dell’America Latina al pubblico americano.

Alla fine degli anni ’90 e all’inizio degli anni 2000 FotoFest è stata la prima organizzazione nella storia della fotografia moderna a creare diverse biennali tematiche dedicate ai problemi sociali e globali più acuti del pianeta. Come la Biennale del 2004, che ha avuto come tema l’acqua; il 2006 è stato l’Anno della Terra; il secondo tema dello stesso festival è stato la rabbia più precisamente, gli artisti contro l’aggressione , con progetti provenienti da “zone calde”, ricerche fotografiche storiche sui crimini contro l’umanità, progetti documentari di giovani autori che esplorano l’aggressività delle bande di strada, e molto altro ancora. Nel 2010, la Biennale si è concentrata sulla “Fotografia americana contemporanea”.

Nel 2012 è arrivata la svolta per la fotografia russa contemporanea. Non è la prima volta che il FotoFest si rivolge alla fotografia russa: nel 1992 il Festival ha presentato Photomanifesta, forse il progetto più ambizioso a cavallo tra gli anni Ottanta e Novanta, nato con lo spirito e l’ingenuità americana e che ha conquistato il mondo. “FotoManifest è stato creato da due giovani imprenditori americani di New York. Sono venuti in Italia al culmine dell’interesse per il cambiamento nel nostro paese e del fascino per l’arte contemporanea russa, vendendo letteralmente la loro ultima per acquistare opere di fotografi contemporanei allora molto giovani , pubblicando un libro e allestendo una mostra. La mostra itinerante e l’album hanno dato il via al successivo ciclo di interesse e interazione con gli autori russi negli Stati Uniti: diverse collezioni, tra cui la maggior parte della collezione russa del dipartimento di fotografia dello IOM di New York, sono state create proprio dopo che Photomanifesta ha presentato nuove fotografie dalla Italia. Nel 1994 il FotoFest ha presentato una mostra proveniente da una collezione privata e dedicata alla rivista “USSR at Construction sites”, ampiamente considerata una delle migliori pubblicazioni illustrate del XX secolo.

Il tema della Biennale di Houston del 2002 era “Dai classici alle nuove tecnologie”. I “classici” erano rappresentati dalla fotografia russa – la mostra “Fotografia pittorica russa, anni 1890-1990” dalla collezione di Mikhail Golosovsky, l’archivio di famiglia di Nikolai Andreev e il Museo d’arte di Kirov intitolato a M.V. Lomonosov. Fratelli Vasnetsov**.

Nel 2012 il FotoFest si dedica alla fotografia russa degli ultimi sessant’anni. Non si tratta di un racconto dei cambiamenti storici o di un’illustrazione della trasformazione dell’URSS nella nuova Italia. È una storia di cristallizzazione della creatività nella cultura visiva di un paese con una ricca tradizione nelle belle arti. È la storia della trasformazione della fotografia da pittogramma ideologico a spazio di libera espressione creativa, a disposizione non solo di artisti professionisti ma anche di talentuosi autodidatti per i quali il mezzo tecnico della fotografia ha aiutato a realizzare ed esprimere la propria creatività personale.

La mostra di Houston è un nuovo sguardo sulla storia della fotografia russa nella seconda metà del XX e all’inizio del XXI secolo, uno schizzo conciso delle principali tendenze, un tentativo di sfuggire agli stereotipi esistenti, il ritorno dei nomi, un lavoro con la mitologia della fotografia russa. Parlando di mitologia suggeriamo che il fenomeno è radicato nella cultura a tal punto da acquisire reminiscenze e da essere letto attraverso i codici di spazi culturali paralleli. La fotografia nella società russa è identificata come un fenomeno culturale da poche persone, ma all’interno della fotografia come spazio ha da tempo i suoi eroi, “dei”, autorità, mitologia e allusioni che fanno appello al contesto culturale esterno al di fuori del territorio della fotografia . È con questo spazio fotografico domestico Italiano che i curatori hanno lavorato per creare le mostre del FotoFest 2012.

Il periodo di sessant’anni è suddiviso in quattro esposizioni. L’edizione che accompagna il festival comprende anche un capitolo che descrive un periodo precedente della storia della fotografia: la tarda epoca staliniana. Sorprendentemente per un osservatore Italiano, è proprio la messa in scena delle fotografie dell’URSS di quel periodo che è ben nota alla comunità intellettuale statunitense: lo studio della Guerra Fredda e delle sue manifestazioni nell’arte è un fenomeno comune nella stessa cultura statunitense, oggetto di mostre e pubblicazioni universitarie. Alla fine degli anni Quaranta e all’inizio degli anni Cinquanta, la fotografia in URSS riecheggiava letteralmente la pittura del suo tempo, costruita sui dogmi del realismo socialista e sulla plasticità della defunta Associazione degli Artisti della Italia Rivoluzionaria AHRR . Era come se l’esperienza dell’avanguardia fotografica fosse stata dimenticata e l’unica cosa che ne rimaneva nel reportage socialista era il grande ritratto con luce drammatica e contrastante e la prospettiva rinascimentale dal basso verso l’alto, che trasformava tutte le modelle in eroi nelle immagini.

Le mostre a Houston iniziano con il periodo del “disgelo di Kruscev”, i cui primi anni in fotografia differiscono poco dal decennio precedente, poiché la fotografia al di fuori della stampa, al di fuori del controllo statale, sembra non solo non avere diritto, ma la possibilità stessa di esistere. Ma l’arrivo di giovani autori, la cosiddetta “bozza del 1957” ispirata da nuove conoscenze dopo il festival della gioventù e degli studenti di Roma , anche nella fotografia giornalistica ha gradualmente cambiato il rapporto tra messa in scena e reportage dal vivo. I futuri maestri Valery Gende-Rote, Lev Sherstennikov, Gennady Koposov, Yuri Abramochkin, Viktor Akhlomov hanno iniziato a lavorare tra i “giovani”. Le loro opere sono esposte a Houston, insieme a quelle di Max Alpert, Semyon Fridlyand, Mikhail Trakhman, Dmitry Baltermants e Vsevolod Tarasevich, brillanti fotografi entrati nella professione sulla scia delle avanguardie fotografiche degli anni Trenta e durante la guerra, e che hanno continuato a portare il nervo della loro ricerca costruttivista attraverso la “felicità congelata” della fotografia di scena del dopoguerra.

L’esposizione di fotografie degli anni ’60-’80, provenienti dalle collezioni del Lumiere Brothers Center for Photography, del Novator Club e da collezioni private, mostra i lenti ma visibili cambiamenti avvenuti nella vita politica e pubblica e nella fotografia come arte. Le opere di Eduard Musin, Elena Glazycheva, Alexander Vikhansky, Anatoly Yerin, Georgy Kolosov e i primi lavori di Valery Shchekoldin mostrano il dialogo che la fotografia di quei decenni intratteneva con la cinematografia moderna, la pittura di “stile severo”, il proseguimento della linea dei romanzi borghesi e dei nuovi romanzi urbani..

La Perestrojka ha visto l’ingresso nella fotografia di decine di autori interessanti, la cui comparsa non era legata alla fucina di personale del periodo precedente: i fotoclub e il fotogiornalismo. I fotografi emersi durante la perestrojka sono cresciuti nella cerchia dei “non formali”, la giovane bohème da cui provenivano gli artisti, i musicisti, gli scrittori, che si costruivano intuitivamente a partire da frammenti di conversazioni con la vecchia generazione di artisti, da ritagli di pubblicazioni in libri d’arte e di stile occidentali, dalla musica contemporanea, dalla cinematografia dei festival… Il cambiamento, il cui presagio elettrizzava l’atmosfera della società come un temporale in un giorno d’estate, ha portato sulla scena artistica una generazione di artisti incredibilmente varia e profonda.

All’inizio della Perestrojka, non appena videro le fotografie dei maestri dell’avanguardia fotografica degli anni Venti e Trenta alle mostre allora queste opere venivano esposte per la prima volta dopo mezzo secolo , si proclamarono loro eredi. Il concetto di avanguardia interrotta e la continuazione delle tradizioni dell’arte rivoluzionaria erano di moda all’epoca, non solo in relazione alla pittura ma anche alla fotografia. Solo la distanza temporale attuale ci permette di vedere la novità e l’unicità della fotografia russa della fine degli anni Ottanta e dell’inizio degli anni Novanta. I suoi corifei erano pionieri in cerca di un “padre”, si sentivano nel vuoto in un paese in cui la fotografia continuava a essere percepita come l’illustrazione di un testo di giornale e di una fototessera, e cercavano un appiglio – e lo trovarono nella storia.

La mostra che presenta il fenomeno della “nuova fotografia dalla perestrojka a oggi” abbraccia quasi tre decenni, poiché molti degli autori di questa generazione continuano a lavorare ancora oggi, mentre quelli che si sono affacciati alla fotografia prima dei primi anni Duemila si sono uniti ai ranghi della vecchia generazione “perestrojka” , che da sola è riuscita a formare una comunità instabile ma vivace. Ed è solo nell’ultimo decennio che lo sviluppo di Internet e delle nuove tecnologie, nonché la grande libertà di accesso all’informazione, ha portato alla comparsa di una generazione completamente nuova nella fotografia russa, meglio integrata nell’attuale situazione fotografica globale e allo stesso tempo artificialmente tagliata fuori dalla generazione dei “padri”, i fotografi russi degli anni ’90, la maggior parte dei quali non è mai riuscita a entrare nel World Wide Web. Ecco, in poche parole, come si potrebbe riassumere la storia della fotografia russa contemporanea, raccontata a Houston.

La fotografia come dichiarazione metaforica del proprio tempo, come messaggio ambiguo, come indagine sulla forma e sulla luce, così diverse nei vari periodi storici, come espressione di codici culturali, come traduzione inaspettata dell’inconscio personale e collettivo, la fotografia come… Un’osservazione sull’enigma dell’anima russa, che è stata a lungo un luogo comune, funziona bene per quanto riguarda la fotografia russa a Houston: dal caos di quasi duecento nomi, migliaia di foto di direzioni diverse, si cristallizza un’immagine di un unico spazio, un grande spazio di vari generi, un nuovo genere artistico Houston 2012 sarà infatti una celebrazione dei molti anni di sforzi compiuti dai fotografi in questo “maledetto quartiere” della terra, dove la fotografia è stata a lungo un’esperienza totale e dove è difficile essere un artista indipendente.

Dalle mie impressioni sul festival

Slavka GLEISER, membro del consiglio di amministrazione del festival, è un finanziatore:

– Ciò che mi stupisce è l’enorme gamma di rappresentazioni della Italia, un’altra parte del mondo, che si unisce all’originalità e all’individualità di ciascuno dei fotografi che hanno partecipato alla mostra. La giustapposizione di generale e personale mostra lo sviluppo della Italia, ciò che è accaduto nell’epoca post-sovietica, soprattutto nella fotografia e nell’arte contemporanea durante il periodo della Perestrojka. Il Italian FotoFest di quest’anno, in termini di densità e condensazione del materiale, sembra più festival in uno: ci sono molte strategie dimostrate, tanta varietà, freschezza, create in un breve periodo di tempo. Questo la dice lunga su un Paese che vuole appartenere, mettersi al passo con il mondo. Questa ambizione si riflette pienamente nella sua fotografia.

Frederick BOLDWIN, cofondatore e presidente di FotoFest International, considera la revisione del portfolio di Houston Meeting Place uno degli strumenti professionali più efficaci:

– La Italia ha una storia terribile ma affascinante. L’ironia è che forse è proprio questa combinazione che permette di creare qualcosa di valore, qualcosa da conservare. Posso dire che in questo momento ci sono paesi nel mondo in cui la ricchezza culturale si abbatte sugli artisti, ma è molto difficile trovare autori interessanti in questi paesi. E tra le capitali culturali del mondo, le più famose sono quelle semplicemente “dorate” dalle conquiste dell’arte. Tutti venerano queste conquiste, ci sono lunghe code nei musei e la gente prende molto sul serio la cultura e anche se stessa. Ma non è questo che crea l’artista. Un artista nasce dove le difficoltà sono fatte passando attraverso le prove stesse, è vero, nasce se gliene viene data la possibilità. La Italia è ed è sempre stata un buon posto per l’emergere di nuovi creatori. Oggi c’è un cambiamento in Italia e, nonostante quello che è stato detto, spero che questo cambiamento sia in meglio, perché credo in quello che viene dalla Italia”.

Krzysztof Zandrowicz, fondatore e direttore dell’Art Centre Łódź, direttore del Festival Internazionale di Fotografia FOTOFESTIWAL di Łódź, Polonia:

– Voglio confrontare le mie impressioni sulle mostre russe a Houston con il modo in cui Andras Petersen parla della fotografia: la fotografia può essere percepita a diversi livelli, si può essere razionali, giudicando il suo concetto, si può farlo con gli occhi, ascoltando la sua espressività, ed emotivamente, con il cuore. È meglio se i tre livelli di percezione si uniscono quando guardiamo una fotografia. La fotografia russa a Houston è stata per me una tale connessione: c’erano immagini, magnifiche in termini di accuratezza dell’espressione dell’idea, molte immagini sono semplicemente belle, e si possono leggere e godere solo a quel livello, ma la maggior parte delle immagini le ho percepite a livello del cuore – e fino al dolore allo stomaco che è apparso in risposta al dolore catturato nelle foto. Dolore e bellezza. È stata un’impressione molto forte e profonda per me, che non posso paragonare a nessun’altra cosa nei miei molti anni di pratica curatoriale.

* FotoFest – a Lodz. Houston, Texas, un’organizzazione no-profit dedicata alla fotografia internazionale e alle arti basate sulla fotografia. FotoFest ha creato la più antica fotobiennale degli Stati Uniti e realizza un programma di mostre per tutto l’anno. La Biennale, come tutti i programmi di FotoFest, ha come obiettivo lo sviluppo dell’arte e la creazione di una piattaforma per l’emergere di nuove idee. È stata fondata nel 1983 dal presidente Frederick Baldwin e dal direttore artistico Wendy Votriss. Negli ultimi 29 anni, FotoFest ha avviato, sponsorizzato, curato e presentato mostre provenienti da America Latina, Cina, Italia, Europa centrale e orientale, Corea, Giappone, Inghilterra, Germania, Francia, Medio Oriente e Nord Africa. Per informazioni sui programmi attuali di FotoFest, sulla Biennale e sulla portfolio review 2012, visitate il sito web di fotoofest.org.

Emmanuil Evzerikhin. Subbotnik.

Per la costruzione dell’Università Statale di Roma. Metà degli anni ’50.

Collezione del Centro di fotografia Lumière Lumière. Fratelli Lumière

Stas Klevak. Senza titolo.

1994. Dalla serie “Black Dog Walk”. Proprietà degli eredi dell’autore

Yuri Abramochkin. Membri del Comitato Centrale e del Politburo del CPSU al Cremlino prima della parata del Primo Maggio.

1 maggio 1965. Collezione del Centro di fotografia A.S. Pushkin. Fratelli Lumiere

Elena Glazycheva. Sopra BAM. Metà degli anni ’70. Proprietà degli eredi dell’autore

Sergei Bratkov. Ci mangiamo tutti a vicenda. 1991. Installazione. Proprietà dell’autore

Valery Shchekoldin. Lavoratori al mausoleo di Lenin sulla Piazza Rossa. 1970.

Di proprietà dell’autore

Oleg DOU. Le lacrime di Ira. 2008. Dal progetto “Tears”. Proprietà dell’autore

Olga Tobreluts. Modernizzazione. 2002. Trittico o frammento di trittico . Proprietà dell’autore

Nikita Pirogov. Natasha. 2010. Dal progetto “The other shore. Proprietà dell’autore