Photobiennale è il più grande festival Italiano di fotografia. Si tiene ogni due anni, in alternanza con “Fashion and Style in Photography” del Multimedia Art Museum ex Moscow House of Photography . Nel 2012 la Photobiennale si è tenuta per la nona volta e il pubblico ha visto più di 60 mostre. Tutti, secondo il piano degli organizzatori, dovevano essere “legati” da due temi: il tema principale era “Focus – USA” il 2012 è stato dichiarato l’anno degli USA in Italia e della Italia negli USA e “Filmmakers – Photographers e Photographers – Filmmakers”.
Chris Marker. Dalla serie “Coreani”, 1957
Per gentile concessione dell’artista e della galleria Peter Blum, New York
A differenza degli anni precedenti ad esempio nel 2008, quando fu portata a Roma una retrospettiva di Andreas Gursky, e “The Primrose” – una luminosa esposizione sulla storia della fotografia a colori in Italia, curata dai curatori di MDF , questo non è stato il pilastro della Photobiennale 2012. In generale, quest’anno, sullo sfondo delle consuete “caratteristiche” del festival ad esempio, i temi vaghi e la mancanza di un nucleo concettuale comune , ha dato l’impressione di una particolare “sfocatura”, come se l’interesse degli organizzatori per l’idea stessa si fosse esaurito. Non ha acceso – e questo è stato notato da molti – la consueta energia di combustione creativa e l’entusiasmo nel presentare i tesori della fotografia. Anche questa volta, però, la mostra ha offerto un’interessante selezione di esposizioni di artisti occidentali, tra cui quelli che lavorano all’intersezione tra arte contemporanea. Sono stati forse il punto di forza della mostra fotografica di quest’anno.
Come sapete, la contemporaneità non è solo una parola per descrivere il nostro presente era il modo in cui si parlava del proprio tempo nel XVI e XVIII secolo . La modernità è una fase particolare dello sviluppo della cultura, in cui la società tradizionale viene demolita, tutto ciò che è innovativo e innovativo aumenta di valore, e l’ambiente urbano diventa una comunità in perenne cambiamento. La cultura americana è un simbolo importante: è sempre stata all’avanguardia della modernità, sia in termini positivi che negativi. Non sorprende, quindi, che la presentazione dei “problemi del presente” sia così opportunamente abbinata al “tema americano”. Per la Italia, con la sua storia inquieta, con il suo perenne desiderio di essere all’avanguardia, con la sua mostruosa esperienza di modernizzazioni forzate e, allo stesso tempo, con il suo perenne desiderio di abbandonare il progresso e congelarsi in una comunità o sobornost’, questo è probabilmente uno degli spunti di riflessione più urgenti.
Diversi progetti di autori diversi ma per molti aspetti concettualmente simili come Stephen Shore, Martin Parr, Taryn Simon, Liu Bolin, Ai Weiwei e Alec Sot hanno fornito un accordo unitario e coerente di riflessione su un determinato tema.
Uno di questi è “Luoghi incredibili” di Shore. Dopo aver viaggiato attraverso l’America negli anni Settanta e aver pubblicato Uncommon Places nel 1982, Shor è stato il pioniere di alcune delle tendenze più attuali della fotografia concettuale e documentaria. Le sue istantanee delle scene più semplici della vita quotidiana gettano un ponte tra l’epoca in cui è stato realizzato il suo lavoro e il nostro tempo: la fotografia stradale e di strada del dopoguerra, la nascita di un serio interesse per il colore qui il nome di Shore è citato insieme a quello di William Egleston , la fotografia di ricerca “spassionata” di Becher, l’influenza su Nan Goldin, Andreas Gursky e Martin Parr e l’attuale interesse per il banale come arte.
Parr è stato rappresentato dal suo famoso progetto The Last Refuge. Fotografie di New Brighton dal 1983 al 1985″. Sebbene un comunicato stampa affermi che la serie è stata “inclusa dal quotidiano The Guardian nella lista delle ‘1000 opere d’arte da vedere prima di morire'”, inizialmente ha provocato una reazione molto contrastante. Alcuni spettatori la interpretarono come una satira politica tagliente e caustica, altri come una presa in giro della classe operaia che trascorreva del tempo in un resort di Brighton in inglese, ovviamente, c’è un gioco di parole: la parola resort significa sia “rifugio” che “luogo di villeggiatura” . Lo sguardo di Parr combina una rabbia freddamente distaccata nei confronti di politici umilianti? alla follia delle persone stesse che soccombono alle manipolazioni? e un’ammirazione per il colore, la consistenza e la bellezza della vita quotidiana.
Il lavoro di Parr riecheggia la mostra compilativa “Photographs and Texts” di Taryn Simon, esposta all’inizio del festival, prima ancora della sua apertura ufficiale. Le immagini di due progetti sono particolarmente impressionanti: “The Innocents” 2003 e “The American Catalogue of the Hidden and Unknown” 2007 . Il primo presenta ritratti di persone condannate per crimini altrui sulla base della loro falsa identificazione fotografica. I presunti colpevoli sono stati salvati dall’esecuzione o dall’ergastolo grazie al test del DNA, ma molti hanno scontato dai 10 ai 20 anni. “Il catalogo americano”. – Una serie di fotografie di oggetti che sono le fondamenta e le pietre miliari della vita americana, ma che rimangono “invisibili” al cittadino e allo spettatore medio: il Centro di stoccaggio delle scorie nucleari, l’Istituto di crionica dove i cadaveri congelati e in attesa di resurrezione sono conservati in speciali capsule, il quartier generale della CIA che nasconde alla vista una mostra permanente di arte contemporanea, alcuni generi dei quali sono stati mantenuti per promuovere l'”American way of life”, e così via. Realizzate in modo volutamente “neutro”, “esplorativo” e accompagnate da testi piuttosto lunghi, le opere di Simon rendono visibile l’ignoto, compresa la propaganda e l’ideologia, esplorando il divario tra immaginazione, finzione, manipolazione e realtà. Così come tra il testo e il visivo. Simon esplora la fotografia come sfondo della vita moderna, sottolineando il suo ruolo nella costruzione della nostra coscienza e del nostro inconscio.
“L’uomo invisibile” di Liu Bolin è una mostra che diventa sia un commento delicato ma definitivo sulla vita politica e sociale cinese e sulle grandi questioni mondiali in generale sia una sorprendente riflessione sulla natura della fotografia, un’esplorazione delle strategie e dei tipi molto diversi di arte visiva globale, delle illusioni ottiche e delle leggi della percezione. Ciò che da vicino sembra un’immagine con ogni dettaglio visibile, da lontano appare come un geroglifico in cui tutti i “tratti” e i “segni” si fondono in un’unica immagine, e la persona alias l’autore semplicemente scompare.
La “Bellezza spietata” di Sota è sembrata un progetto curatoriale infelice, la cui selezione e disposizione ha offuscato l’impressione del lavoro di uno dei più interessanti artisti documentaristi del nostro tempo. Narratore e creatore di serie di libri, Soth conferisce al suo lavoro una strana qualità che abbiamo già visto con Simon e Bolinh: un’ironica esplorazione delle giunture della fotografia come “mezzo”, che è anche piuttosto cinematografica, comprimendo l’intero spazio di un film in un singolo fotogramma vigoroso e complesso.
Dalle immagini di Shore, Parr, Simon, Bolinia e Sotha traggono i fili per altri progetti della Fotobiennale, raccogliendo, ricucendo la struttura stessa della Photobiennale. Da un lato alle mostre “d’archivio” e storiche, dall’altro all’incrocio di diverse forme d’arte, questa volta rappresentate soprattutto da testi, fotografia e cinema.
Tra i primi progetti c’è stata l’enorme mostra “New York. 1983-1993” dell’artista cinese Ai Weiwei. Nominato dalla rivista Art Review come “il più importante” nella lista degli “artisti contemporanei influenti” dello scorso anno, Ai Weiwei era un tempo un autore ufficialmente acclamato, ma nel 2008 è diventato uno dei simboli dell’opposizione cinese. L’artista è stato picchiato dopo aver sostenuto un’indagine indipendente sul terremoto del Sichuan, compresa la corruzione nell’industria delle costruzioni; è stato quindi arrestato, il suo studio è stato distrutto e lo studio di progettazione è stato oggetto di una causa per evasione fiscale. La gente ha raccolto 1 milione di RMB per lui tramite una sottoscrizione. Tuttavia, il progetto stesso, presentato alla Photobiennale 2012, è stato realizzato molto prima di questi eventi. La mostra presenta circa 200 immagini di New York City su 10 mila , compresa una sezione speciale sul tema. . È una sorta di diario di viaggio, solo che non è fatto a mano ma con una macchina fotografica, e diventa un’enciclopedia completa della vita locale. Lo stupore per l’Occidente, la documentazione dettagliata degli incontri con gli artisti, tra cui fotografi famosi come Robert Frank, e le scene di vita quotidiana, tra cui la vita degli immigrati, sono tutti elementi del progetto di Ai Weiwei. Lo strano sguardo di un visitatore disorientato e confuso, proveniente da un’altra cultura con una tradizione estetica diversa, paradossalmente nota e conserva qualcosa di fondamentale, viscerale e importante a New York, mentre fotografa gli strati precedenti del visivo, che la cultura stessa aveva dimenticato.
Lo strato storico della Photobiennale comprendeva anche almeno altre tre mostre interessanti: From the Heart di Walter Rosenblum fotografia documentaria a sfondo sociale dell’allievo di Hine e Strand , America as View from the Car di Lee Friedländer uno degli ultimi progetti del pioniere della street-photography, riflessi in bianco e nero dell’America nello specchietto retrovisore, sorprendenti incroci di scene quotidiane e angolazioni inaspettate e New York. 1955″, un tempo reso celebre da William Klein la rottura del comandamento di Cartier-Bresson sul “fotografo invisibile”, l’abbandono della perfezione tecnica a favore della spontaneità e la scandalosa scia di accuse contro l’autore ventisettenne per aver mostrato le americane troppo poco attraenti e New York una città degradata .
È qui che vanno segnalate anche due mostre “d’archivio” estremamente interessanti: “The Art of the Archive”, “The Art of the Archive”, “The Photo of the Artist”. Foto dagli archivi della polizia di Los Angeles e “Fearless Genius: The Digital Revolution in Silicon Valley 1985-2000” di Doug Menuz. Prima di tutto, entrambe le esposizioni sembrano interessanti per il materiale in sé, la documentazione di ciò che è accaduto. Tuttavia, a un’analisi più attenta, essi sollevano una questione che è stata sollevata molte volte nella storia della fotografia: la linea sfuggente tra le sue componenti anagrafiche, sociali e artistiche.
“L’arte dell’archivio” presenta circa 100 fotografie scattate dagli anni ’20 agli anni ’50; i negativi sono stati ritrovati casualmente nel 2001. Le domande sulla trasgressione e sui limiti di ciò che è accettabile, sulla misura in cui le immagini destinate a un pubblico di esperti e criminologi incalliti dovrebbero essere giudicate da spettatori comuni, e sulle tendenze estetiche inconsce che l’artista inventa o cattura dal nulla, sorgono quando si guardano queste immagini di scene del crimine, di prove, di vittime, di assassini e rapinatori e di cadaveri. A un certo punto, si ha la strana sensazione che tutto questo sia in qualche modo meno sconvolgente del lavoro di Joel Peter Witkin e questo mostra l’oggetto vero, non qualcosa di appositamente rielaborato dall’artista . Forse perché la fotografia di “archivio-reportage”, anche in occasione della mostra, continua ad essere percepita come uno sfondo troppo familiare.
Ciascuna delle fotografie di Doug Menuz il fotografo le realizza da 15 anni è accompagnata da commenti estremamente dettagliati sulla storia di vari progetti della Silicon Valley ha iniziato con Steve Jobs . Ma è difficile definire l’intera serie come una narrazione unitaria. Si tratta piuttosto di una raccolta di storie in cui il visivo e il verbale giocano un ruolo paritario. Passando da una carta all’altra ci si rende sempre più conto di essere di fronte a qualcosa di più di un semplice libro di storia. Si costruisce gradualmente un quadro sorprendentemente coerente di come funziona la cultura americana e del perché le innovazioni vi attecchiscano così bene. C’è anche un’eco diretta con la disputa “ideologica” tra Klein e Cartier-Bresson sulla dis partecipazione e la dis visibilità del fotografo: Menyes era uno “spettatore”, che passava giorni e notti con i suoi personaggi in senso letterale. Lui stesso ha definito il suo progetto una “ricerca nel campo dell’antropologia visiva”.
Il tema dell’archivio e della storia è stato reso moderno alla Biennale da altre due mostre: “The Artist with the Bad Camera” foto di Miroslav Tikhogo e “Nine Eyes of Google Street View” di John Rafman. Queste mostre sembrano raccontare due storie molto diverse e in qualche modo opposte. Uno parla di un artista ceco d’avanguardia emarginato da uno stato totalitario. L’altro riguarda lo sguardo penetrante, spersonalizzato ma inaspettatamente personale della tecnologia moderna, il sovraccarico di informazioni che genera e che rende impossibile realizzare l’idea di privacy, distanza e solitudine. Ma entrambi pongono la questione della sottile linea che separa il grezzo dalla perfezione tecnica, il dilettantismo dall’artigianato, la sensibilità e la follia dell’artista, l’arte dalla “spazzatura” estetica.
Per quanto riguarda il tema della cinematografia, fratello gemello o figlio della fotografia, è emerso alla Photobiennale non solo nei progetti dedicati ad alcuni registi ad esempio, due mostre su Ingmar Bergman . Anche lo sguardo “diretto” di un documentarista si è rivelato “cinematografico”. Così, il sorprendente e persistente progetto di Peter Hugo “Hyena and Others” si interroga sulla recitazione forzata e sul gioco, sul naturale e sull’artificiale nel mondo sociale su cosa sia più importante: smettere di torturare gli animali o rivolgere la propria attenzione alla povertà dei violenti ? . Inaspettate anticipazioni del tema si sono avute anche negli Archivi di Los Angeles, quando si è scoperto che i fotografi della polizia lavoravano in nero, riprendendo attori ingessati negli studi di una delle città “più cinematografiche” del mondo e imitando il genere del film noir.
Un fotografo che diventa regista o un regista che diventa fotografo: il percorso abituale per un autore del XX secolo. Ci siamo già abituati a Sarah Moon, ospite fissa del festival, che quest’anno ha presentato il suo prossimo progetto, “Cappuccetto nero”. La serie fotografica “Immagini di superficie” di Wim Wenders, una figura seminale del Nuovo Cinema Tedesco, che il regista ha iniziato all’inizio degli anni ’80 e che continua tuttora, è un “haiku visivo” unico. I panorami a colori di grande formato, “lunatici” e “atmosferici”, ricordano i film dello stesso Wenders e il lavoro degli allievi di Becher, documentando il colore come flusso della vita e i limiti del vuoto come concetto. Essi, come gli scatti di Chris Marker, regista, fotografo e filosofo, colpiscono per la complessità di una narrazione contenuta in un solo fotogramma, dietro il quale si cela il mistero del continuo fluire del tempo e l’abisso dei frammenti della storia altrui. A Roma abbiamo visto quattro serie di Marker e diversi film contemporaneamente. “I coreani” 1957 – un classico in bianco e nero realizzato durante un viaggio in Corea del Nord. Che ora è??” 2004-2008 – fotografie sfocate e furtive nella metropolitana di Parigi da parte di un “paparazzo benevolo” che nasconde la sua macchina fotografica nell’orologio da polso: ride di qualcosa fuori dall’inquadratura, fissa pensieroso di lato e in lontananza qualcosa fuori dall’inquadratura. “Based on Dürer” – installazione-“ritorno” alle antiche incisioni, “Silent Cinema” 1995 e “Empty People” 2005 – altre due installazioni sulla non linearità della storia, sulla giustapposizione di immagine, testo e significato. Infine, Runway 1962 , un film composto da immagini fotografiche che ricostruisce il tempo in componenti discrete e spazi paralleli, raccontando l’esistenza del protagonista in tre strati temporali.
Per quanto riguarda il segmento Italiano del festival, tradizionalmente “cede” rispetto alle mostre occidentali. Il numero di esposizioni interessanti era di gran lunga inferiore, e anche l’esperienza moscovita di Harry Gruyere “Roma 1989-2009” era più incentrata sui testi che sulla fotografia.
Tra le mostre, vale la pena menzionare “Selected Works” di Alexander Sliussarev – solo opere in bianco e nero dal 1966 al 1993., tutti in stampe d’autore, per lo più provenienti dagli archivi di famiglia. La mostra sorprende piacevolmente per l’eccellente lavoro curatoriale e per l’accurata selezione che combina sia il già noto che il nuovo.
“Arkady Shaikhet. Continua. 1928-1931”, una mostra realizzata dalla nipote della famosa fotografa Maria Zhotikova-Shaykhet, è piuttosto interessante. Nonostante l’apparente presenza in quasi ogni fotogramma di un inno all’economia socialista – nuove case, cartiere, impianti industriali – le immagini di Shaykhet mostrano incomprensibilmente tutto il ventre delle conquiste: la povertà ereditata dal nuovo paese e la pressione disumana sulle stesse persone provocata dal nuovo regime. E anche la semplice vita privata di tutti i giorni, che lotta contro ogni oppressione – anche quella dello Stato, che si è prefisso di rifare la natura umana. Gli scatti dall’Asia Centrale sono particolarmente interessanti in questo senso. “La macchina del tempo. Colore 1930-1970 di Vladislav Mikosha, un’eco di “Primula”. Il cameraman, fotografo, famoso reporter di guerra e cronista della vita sovietica, che ha celebrato il suo centenario nel 2009, viene qui presentato come uno dei pionieri del colore.
Il tema del cinema nella “parte russa” è stato rappresentato da un progetto per il decimo anniversario del film “Arca russa” di Alexander Sokurov e dalla mostra “Interni”. Natura. Il “Padiglione” di Vladimir Mishukov foto dalle riprese di “Elena” di Andrey Zvyagintsev . Questo è, forse, tutto – e poi ci sono le piccole mostre di alcuni grandi artisti contemporanei nelle gallerie di Roma.
Nel complesso, il Festival ha lasciato un retrogusto indefinibile. Alla sua conclusione, un critico riflessivo, rinfrescando la memoria su tutti i progetti, inizia improvvisamente a vedere: La Photobiennale mostra le tendenze più importanti del nostro tempo e rappresenta una vera e propria integrità su larga scala. Inoltre, c’era, come sempre, un gran numero di buone mostre di autori occidentali e realizzate da curatori occidentali MDF ha sempre avuto un ottimo senso del prodotto pronto da portare in Italia . Allo stesso tempo, però, le mostre stesse evocano costantemente e abitualmente una sensazione di caos e disintegrazione in pezzi separati, la mancanza di una struttura chiara e di un concetto generale articolato, nonché di un lavoro curatoriale maturo e vivace da parte di specialisti nazionali e di una chiara comprensione del posto della cultura russa nel processo globale. Non sono affatto sicuro che lo spettatore che non è impegnato in un’analisi 24 ore su 24, 7 giorni su 7, delle tendenze artistiche del mondo sia in grado di mettere tutto insieme. Tanto più che quest’anno ha avuto a che fare con diversi autori piuttosto difficili da digerire e non particolarmente organici alla nostra cultura. E non so quante volte dovrò dire che è ora di andare avanti, e se questo messaggio sarà ascoltato, o se il festival continuerà a ristagnare come al solito, perdendo gradualmente l’interesse del suo pubblico.
I Weiwei. Un ristorante nel Lower East Side. 1988
© Ai Weiwei. Per gentile concessione del Centro d’arte fotografica Three Shadows
William Klein Quattro donne, supermercato, 1955 © William Klein
Vladimir Mishukov sul set di Elena di Andrey Zvyagintsev
Doug Menyes Genio senza paura: La rivoluzione digitale nella Silicon Valley 1985-2000.
Steve Jobs parla del ciclo decennale dello sviluppo tecnologico. Sonoma, California, 1986
Autore sconosciuto Donne poliziotto si esercitano a sparare in un poligono di tiro. 1968
© Dipartimento di polizia di Los Angeles Cortesia fototeka Los Angeles
Ingmar Bergman sul set del film Fanny e Alexander
Fotografo Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet
Serie Liu Bolin Urban Camouflage – 36, 2007
“Mettetevi d’accordo per migliorare le vostre conoscenze” © Per gentile concessione di Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing
Serie “Urban Camouflage” di Liu Bolin – 16, 2006
Cittadino e poliziotto n. 2 © Per gentile concessione di Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing
Harry Gruyere Italia. Roma. Distretto di Vinzavod. 2009
© HARRY GRUYAERT/FOTOGRAFIE MAGNUM
Vladislav Mikosha Roma. 1960-e
Stephen Shore Ginger Shore,
The Causeway Inn, Tampa, Florida, 17 novembre 1977
Mi piacerebbe sapere se il festival di fotografia, Photobiennale 2012, era un evento interessante da visitare. Quali erano le principali mostre e fotografi presenti? Aveva un tema particolare o era una rassegna generale? Vorrei anche sapere se c’erano attività collaterali come conferenze o workshop per gli appassionati di fotografia. Grazie per qualsiasi informazione che potete fornire!