Recensioni di fotografia: i classici della fotografia sovietica

Il nome di Yevgeny Khaldei è noto a molti, le sue fotografie a tutti. Almeno due: “La bandiera del Reichstag” maggio 1945 , che era tutto fuorché un simbolo di vittoria, e “Il primo giorno di guerra”, una fotografia scattata a Roma il 22 giugno 1941.

1. Estremo Oriente. I diseredati. 1938

Questi due scatti, ovviamente, non danno un quadro completo dell’opera di Huldai. L’archivio del 1941-1946 ripercorre la guerra dall’annuncio dell’attacco tedesco all’Unione Sovietica fino al processo di Norimberga. Hanno fatto il giro del mondo e sono molto apprezzate come illustrazioni in libri di testo, documentari ed enciclopedie. Le sue immagini “pacifiche” ritraggono produttori e operai, soldati e generali, bambini e funzionari di partito, contadini sconosciuti e capi delle potenze mondiali. Queste fotografie sono diventate anche storia: la storia di un vasto Paese che non esiste sulla carta geografica e la storia di un uomo, un grande maestro, che comprende sottilmente l’essenza e il significato del suo lavoro, che ha il dono di un’eccezionale espressività documentaria, che rispetta e comprende i suoi eroi.

Khaldei arrivò a Roma nel 1936 e si unì alla TASS Photo Chronicle. La sua vita di fotoreporter è iniziata: Ucraina occidentale, Yakutia, Carelia e BieloItalia. La formula del suo successo è stata la precisa regia di ogni inquadratura, l’attenta selezione dei futuri eroi e le angolazioni vantaggiose dei migliori risultati dell’economia socialista. Questi anni sono rappresentati dai ritratti di Alexei Stakhanov e Pasha Angelina, dalla costruzione del canale Moskva-Volga, dal restauro del canale Dnieper-Bug. E poi con la sua Leica ha attraversato la guerra, dopo la quale è stato messo fuori gioco – è stato licenziato dalla TASS con l’interdizione dalla professione. Iniziò un lungo periodo di lavori saltuari: aveva una famiglia da sfamare. Le sue foto apparvero nuovamente sulla stampa nazionale una decina di anni dopo, quando Khaldei entrò a far parte del giornale Pravda nel 1959, dove lavorò per quindici anni, per poi lavorare come freelance per il giornale Sovetskaya Kultura.

L’ERA DI STALIN

Le fotografie “pacifiche” di Khaldei degli anni Trenta e Quaranta. Tutto è saldamente, professionalmente. Basta non giudicarlo in termini politici! Yevgeny Ananievich ha espresso meravigliosamente il suo tempo, proprio il suo, nel modo in cui ha potuto. Certo, molte delle sue fotografie possono oggi apparire sentimentali, a volte persino dozzinali, ma è impossibile non soccombere allo stato d’animo del paese che stava costruendo il socialismo, e che poi ha sconfitto i nazisti. L’ordine sociale dell’epoca fu sintetizzato al meglio da Stalin già nel 1935: “La vita è diventata migliore, la vita è diventata più divertente. Fare il fotoreporter per la TASS significava lavorare secondo un programma ideologico prestabilito. Khaldei lo ha fatto, naturalmente, in modo magistrale e molto cordiale. In primo luogo, non è stato mostrato nient’altro. In secondo luogo, dopo averlo visto, non ci si poteva credere. Ma per la maggior parte lo hanno fatto. È giunto il momento di riflettere sui meccanismi della leva ideologica e sui modi migliori per promuoverla. Noi, ex sovietici, siamo ancora perseguitati dal nostro misterioso amore e dalla sincera simpatia per l’Unione Sovietica degli anni ’30 e ’50, comune non solo alla gente comune, ma anche a intellettuali piuttosto informati. Naturalmente, la questione della consapevolezza rimane sempre.

Joseph Stalin, Harry Truman e Winston Churchill alla Conferenza di pace di Potsdam. Giugno 1945. Sono i decisori del mondo del dopoguerra, seduti attorno a un tavolo rotondo, e questo singolare quadrante inizia il conto alla rovescia per un nuovo tempo. Un leader e trionfatore sovietico, un grande vincitore in giacca bianca da parata: l’elemento dominante della composizione. Ed eccolo in poltrona, sempre a Potsdam. Il ritratto ha un aspetto decisamente cerimoniale, mentre la poltrona è di vimini. La dicotomia di Dio: è un idolo e un semplice mortale allo stesso tempo. E poi parate, cori e orchestre – a gloria del grande timoniere, il cui nome sembrava dovesse rimanere per sempre. Monumenti, fabbriche, motonavi e opere d’arte. Nemici consegnati alla giustizia! Il paese sta migliorando, sta sorgendo una giovane generazione di costruttori comunisti, che lavora e studia diligentemente, che prende le norme del TRP e marcia in formazione e non c’è bisogno di angolazioni moderniste perché la realtà è così buona che non va distorta, nemmeno formalmente .

Un bambino e la sua giovane madre stanno imparando una filastrocca o una canzone, una scenetta di genere che si addice a un manifesto sull’infanzia felice. Viene creata l’immagine di una famiglia tutta popolare con a capo un saggio padre universale, e le favolose origini dell’utopia sono appena celate. Qui accolgono il nuovo anno in modo pacifico, tifano per una partita di calcio, suonano, dipingono quadri, si sdraiano sulla spiaggia o leggono un libro… Una vita tranquilla, così duramente conquistata, con un prezzo pesante da pagare. Opere di valore e ritratti di eroi: il Paese dovrebbe conoscerli. Ma anche qui c’è un cambiamento. Ad esempio, l’ideale di bellezza sovietico degli anni Trenta – la donna alla macchina o al trattore con tunica e fazzoletto – è oggi del tutto compatibile con il ritorno dell’immagine elegante, anche se solo nella persona dell’intellighenzia sovietica. L’idea di una vita “bella”, ben arredata e persino “lussuosa” inizia a infiltrarsi. Le famiglie felici bevono tè e dolci, ascoltano la radio e parlano al telefono… Una beniamina nazionale – Lyubov Orlova, il cui stile di vita era modellato su quello delle star di Hollywood: autista personale, cameriera e massaggiatrice. Anche la sua villa con Alexandrov era modellata su quella di Mary Pickford e Douglas Fairbanks. Ma è stata lei a incarnare con successo entrambe le ipostasi – il cotone idrofilo e l’abito da sera – sullo schermo, anche se.

Nella foto

2. Tbilisi. Giovani musicisti nel Palazzo dei Pionieri. 1959

3. Germania. Potsdam. Giuseppe Stalin. Giugno 1945

ERA KHRUSHCHEV

L’era di Kruscev – l’ottimismo epocale e l’euforia dei potenziali cambiamenti. La fotografia, pur rivolgendosi direttamente alla vita della “gente comune”, la ritrae il più delle volte nel suo flusso quotidiano, nella routine giornaliera del lavoro, dei pensieri e dei sentimenti. E ancora nelle foto: il lavoro a beneficio della Madrepatria nelle fabbriche, negli stabilimenti, nei cantieri, nei campi, negli uffici di progettazione e negli istituti, sulla terra e in mare, nelle steppe, oltre il Circolo Polare Artico – ovunque il popolo sovietico viva. Il lavoro non è eroico, ma piuttosto gioioso, ispirato, illuminato. Un’epoca di speranze e aspettative romantiche oggi, di solito, si parla dell’ingenuità e della purezza delle immagini degli anni ’60 . La cronaca fotografica è diventata uno dei generi preferiti, particolarmente apprezzato dai settimanali colorati. Il famigerato realismo socialista offriva “il più ampio spazio per le attività creative dei maestri”. Non c’è dubbio che siano stati gli anni ’60 a trasformare la fotografia di reportage in un’opera di fotografia russa. Vi incanta ancora, come qualcosa di caro al vostro cuore e alla vostra anima, anche se per alcuni è solo una parte della storia, per nulla personale. Si amano e si ammirano queste immagini senza rendersi conto del perché. Il potere magico dell’arte!

Nella foto

4. Sinistro. Anche. Brezhnev incontra N. Nord. Krusciov. Roma. 1962

5. Baku. Rocce di petrolio. 1959

6. Mstislav Rostropovich. 1951

L’ERA BREJNEV

L’era Breznev è una transizione quasi inafferrabile. All’epoca c’era una stagnazione nell’URSS, come dicono gli storici moderni. Ma in qualche modo non ci credo. Le persone nella foto stanno ancora lavorando, le macchine sono ancora in funzione, gli altiforni producono metallo per il paese, l’oro nero viene ancora estratto, l’esercito sta ancora sfilando e i leader sono ancora in piedi sulle tribune… Tessitori e pescatori, meccanici e operai edili, medici e insegnanti, agricoltori collettivi e studenti. Si dice che lo Stato sovietico usasse la fotografia per la propaganda. Se la sincerità e la gentilezza, dove sono coloro che sono stati cresciuti con questa propaganda?? E la cortina di ferro: non c’era quasi nessuna possibilità di vedere cosa facevano gli altri. In America – fotografia spassionata e autoriale, in Francia – una versione emotiva. L’ordine di Stato in URSS: sparare sull’ottimismo. Potreste anche realizzare matrimoni o ritratti in uno studio fotografico. La fotografia “creativa” è esistita, ma per lo più in contesti di club o amatoriali. L’ideologia non c’entra nulla. I giornali e le riviste degli anni ’70 sono pieni di congressi e conferenze di partito, ma ci sono anche i bambini, i giovani, l’amore, la vita quotidiana..

Guardando le immagini ora, si capisce che il totalitarismo del costruttivismo, la falsità del grande stile, la dura verità della guerra e l’infantilismo degli anni Sessanta sono già alle spalle, e che davanti a loro c’è la vita senza messa in scena, senza messa in scena, senza pathos, senza ottimismo dichiarativo e falso. E ancora lontani dal cinismo degli anni ’80 e ’90. E quella stessa vita è stata catturata su pellicola. E il fotoreporter ha sempre cercato un’opportunità per esprimersi. I geni del giornalismo di guerra erano Baltermants, Yevzerikhin, Lipskerov, Khaldei, Shaikhet. In varia misura, erano assorbiti dalla vita tranquilla, anche se erano ottimi fotografi. Quindi quelli del dopoguerra si assomigliano un po’ tutti. Ad eccezione, forse, di Yevgeny Khaldei. Forse perché è stato cacciato dalla TASS e ha iniziato a girare per conto suo, staccandosi dall’ordine dello Stato. È rimasto un fotografo con il suo volto, un vero fotografo documentarista.

In termini di storia del paese, l’epoca – Khaldei… Chi ha fotografato la Francia? Non solo Bresson, ma dalle sue fotografie si potrebbe studiare la Francia. E secondo le fotografie di Khaldei, si tratta dell’URSS. Il tempo arricchisce le buone immagini. Parlano allo spettatore con più forza, a distanza di anni e decenni, trasmettendo l’emozione di vivere la storia. Ma la fotografia è per sua natura un mezzo di comunicazione di massa, quindi il campo visivo di osservazione e selezione è sempre a disposizione del fotografo e aperto alla macchina fotografica che ha in mano. Alla fine, la scelta di cosa e come sparare diventa una scelta del perché e del come vivere..

STORIA DEL REPORTAGE NELLA SSR

Il fotoreportage sovietico ha la sua storia. La distribuzione di foto “con didascalie appropriate”, di cui è stata segnalata l’opportunità da V. Anche. Lenin, con il rafforzamento della poligrafia trasformata in fotogiornalismo. Subito dopo la Rivoluzione nel nuovo Paese, il fotogiornalismo fu universalmente acclamato come “giornalismo figurativo” dell’età eroica. All’epoca non era considerata un tipo di fotografia artistica. La prima grande mostra, “Fotografia sovietica in dieci anni” 1917-1927 , presentava fotografie del periodo sovietico. tenutasi a Roma nella primavera del 1928, fu dominata dalla cosiddetta sezione artistica; molti maestri ritenevano che i principi della fotografia documentaria fossero l’esatto opposto di quelli della fotografia d’arte. Il reportage fotografico era classificato come “fotografia di cronaca e giudiziaria”, cioè fotografia applicata, considerata un genere inferiore. Ma è stato l'”applicato” e l'”inferiore” che, in virtù della competizione tra riviste e giornali, in virtù della sua vivacità e urgenza, quando si doveva scattare a qualsiasi costo, in qualsiasi luce o punto di vista, ha fatto la “rivoluzione” nella fotografia sovietica. E già dagli anni Venti le migliori immagini di molti reporter della stampa periodica acquisirono i segni di un nuovo stile stiamo parlando dei fotografi modernisti, delle loro esperienze formali . La fotografia pubblicitaria in Unione Sovietica si annunciava allora come una nuova forma d’arte basata sulla verosimiglianza, sui fatti, ma da una “angolazione inedita”. Il lavoro dei fotografi modernisti sovietici era ottimista nello spirito e rivoluzionario nella forma. Negli anni Trenta, tutti si erano stancati di decostruire la realtà; volevano semplicemente vedere se stessi e ciò che li circondava così com’erano. A metà degli anni Trenta i reporter rifiutano il linguaggio degli angoli e delle composizioni improvvise e tornano alla natura descrittiva della fotografia di genere del XIX secolo. La teoria del “momento decisivo” di Bresson non era richiesta in URSS.

Il canone pittorico socialista-realista prende forma durante la fine degli anni Venti e parte degli anni Trenta. Dopo la guerra, divenne lo stile ufficiale di Stato, il “grande stile”. La nazione eroica e vittoriosa stava costruendo il suo nuovo presente con un entusiasmo senza precedenti e un paradigma futuristico di un “domani luminoso”. I grandiosi e mobilitanti piani di costruzione avevano come fonte il “sublime”, che non rientrava nei confini della razionalità. Pertanto, i fotografi della stampa sovietica non producevano servizi giornalistici, né producevano nulla che aspirasse all’obiettività. Era uno strumento di grandiosa trasformazione sociale totalitaria ed era chiamato a creare illustrazioni di un certo modello ideologico. Il regime sovietico ha creato un’aura di veridicità intorno alle foto dei periodici.

Le specificità della rappresentazione artistica di un popolo-eroe mitologizzato si riducevano alla costruzione di un’immagine immediatamente identificabile o di una situazione tipica corrispondente al risultato atteso. In particolare, le visualizzazioni dell'”eroico” e del “tipico”. Il sistema sovietico almeno a livello simbolico ha creato un’immagine di persona di ordine superiore che si è incarnata non solo negli stakanovisti, ma anche in un’altra persona. Ma in sostanza, tutte queste figure delle varie narrazioni del “sublime” non avevano valore in sé, erano solo attori nelle rappresentazioni simboliche del potere. Sono stati tutti incarnati da artisti, scrittori, registi e fotografi. Gli eroi sovietici dell’anteguerra sono stati spesso accomunati e presentati come un’unica gigantesca massa di persone alla ricerca della felicità planetaria. Negli anni ’50 è stato necessario apportare delle modifiche al sistema di immagini. Il tempo aveva bisogno sia di eroi personificati che della loro mitologizzazione. Dimenticando i principi del modernismo, gli artisti si rivolgono allo stile accademico.

Il discorso sul reportage del dopoguerra non riguarda affatto gli “eccessi individuali” nell’uso di angolazioni e cliché, o i curatori e i redattori privi di talento o inesistenti come Steichen, la cui famosa mostra “La razza umana” fu esposta a Roma nel 1959 e i cui colleghi occidentali poterono vedere di persona come lavoravano. L’Unione Sovietica ha visto la distruzione di un genere sociale della fotografia che era associato alla visione soggettiva, in particolare la distruzione del genere del fotoreportage. Eugene Smith scrisse una volta: “La prima parola che escluderei dal folklore giornalistico è „obiettivo”. L’oggettività non è uno stato raggiunto inevitabilmente da esseri umani soggettivi. Perché abbiamo permesso che questa mitologia dell’oggettività „per incasinarci la testa? Perché tollerare queste cose da parte di chi, più di ogni altro, dovrebbe essere al corrente: i fotografi stessi??”.

A questo proposito è curiosa la testimonianza della vecchia generazione che spesso si esprime così: “Non abbiamo dipinto – abbiamo visto così”. Non è stata insegnata loro l’alfabetizzazione visiva la maggior parte dei fotografi erano autodidatti o la capacità di valutare criticamente ciò che vedevano. È risaputo che non è il fotografo a fare la foto, ma l’incidente. La stampa sovietica non può avere incidenti! L’obiettività, infatti, non si è rivelata un principio visivo, ma di parte. E l’obiettività nel nostro paese era una speciale – una finzione. I principi del reportage sovietico stabiliti negli anni Venti erano essenzialmente estranei al genere documentario. In URSS non esisteva una fotografia documentaria che registrasse la realtà in modo accurato e il più possibile privo di distorsioni. La tradizione pre-rivoluzionaria della fotografia di genere di Bulla e le produzioni sociali di Dmitriev sono state eliminate come residui pre-rivoluzionari.

I fotomontaggi, gli angoli e le diagonali, i punti di vista stravaganti di Rodchenko non erano solo formalismo, ma un tentativo di mostrare il volto del nuovo mondo, che non doveva essere visivamente simile al vecchio. E poi si affermò il realismo socialista, inventando apertamente la vita sovietica. E i fotografi hanno imparato a distorcere consapevolmente la realtà. Le proprietà dell’immagine artistica sono state trasferite alla realtà. Ma era un modo per sopravvivere, sia professionalmente che fisicamente. E non sta a noi giudicare o rimproverare nulla alla vecchia generazione.

A metà degli anni Cinquanta, il valore della documentalità, della veridicità e dell’autenticità ha cominciato ad apparire. Il volto della fotografia sovietica dell’epoca era in gran parte definito dai generi vicini al reportage. Naturalmente esisteva anche la fotografia di ritratto e, a livello più mondano, gli studi fotografici immortalavano i cittadini per i posteri. Molto più importante era il genere del cosiddetto ritratto industriale: un uomo del lavoro nell’alone della sua funzione industriale. Il più delle volte un fotografo non pretendeva di essere un artista nel senso tradizionale del termine. Il loro pathos è quello di far conoscere ai lettori-spettatori la vita, l’opera e lo spirito di persone che hanno fatto la loro parte. La narrazione degli eventi dei fotoreport era spesso una versione visiva degli editoriali dei giornali.

Più tardi, negli anni ’60 e ’70, il modo saggistico e lirico della fotografia documentaria divenne il più adeguato ai tempi, al romanticismo del disgelo. Il saggio fotografico negli anni Sessanta sarà un tentativo di studiare l’esperienza umana individuale una visione del mondo attraverso gli occhi di un autore-narratore . Si tratta di una forma visiva speciale: la realtà circostante può essere padroneggiata dall’uomo solo attraverso la narrazione e solo attraverso una storia personale.

Anche dopo il disgelo, gli autori dell’epoca si dedicarono al tema dell'”uomo privato”, dei loro contemporanei e dei loro sentimenti ed emozioni quotidiani. Queste opere sono sempre rimaste oneste, sincere, gentili. Ma non era sufficiente. Lo spirito dell’epoca si insinua nei dettagli, nelle espressioni dei volti, nelle fogge dei vestiti, nelle marche di automobili, ma scompare immediatamente. Confrontiamo gli “ideali dell’umanesimo sovietico” mostrati in foto degli anni ’60 e in foto documentarie realizzate dall’agenzia Magnum nello stesso periodo. La nostra ha l’aria di essere ingenua? Sono belle e “dolci” perché sono “proprie”, probabilmente “fatte in casa”, provenienti da un vecchio album di famiglia, dove la mamma è così giovane e il papà è così marziale. E in qualche modo non si percepisce il contenuto ideologico di questa semplice fotografia di “vita”. Ma non ci si può lamentare nemmeno della “maestria”.

Non si possono togliere pagine e fotogrammi dalla storia della nostra fotografia. La bella visibilità, il “realismo incantevole” termine di Susan Sontag non possono essere trascurati, anche quando sono incorniciati dall’ideologia. Negli anni ’80 l’ottimismo sarà sostituito dal nero e dal cinismo. È improbabile che le fotografie siano amate dalle persone. Forse sono queste le lezioni della “fotografia degli anni ’50-’70”, anche se imperfetta, scomoda, “irraggiungibile” per gli esempi domestici occidentali o pre-rivoluzionari, modernisti e militari?

In foto

7. Stadio della Dinamo. Un festival sportivo in onore dell’800° anniversario della città. Roma. 1947

8. Donbass, d. Stalino. La famiglia del responsabile energetico della città T.E. Bergoltseva

9. Vovkka. Roma. 1957

10. Dmitry Shostakovich con la figlia. 1955

11. Stabilimento automobilistico di Gorky. Negozio di layout. Volga-21

12. A Lenin. Gennaio 1960