Composizione fotografica: la carne viva della fotografia

Composizione in latino significa “combinazione”, cioè l’unione di tutte le parti, di tutti gli elementi di un’immagine. C’è così tanto significato in questa breve formula che è facile perdere i lati importanti del caso. Prima di tutto, bisogna capire quali sono le parti di un’immagine. Non si tratta solo di tutti i dettagli significativi per il soggetto – persone, tavoli e alberi – ma anche degli spazi vuoti, delle sezioni vuote, del cielo, dello sfondo e così via. Ricordiamo, ad esempio, la famosa opera di Carlson “Il gallo molto solitario”: in essa l’intero foglio di carta intatto era la parte principale della composizione, che conferiva al gallo solitario, rannicchiato in un angolo, la qualità più importante: la solitudine.

Anche nella fotografia di studio è possibile applicare strutture compositive apparentemente inappropriate come la croce obliqua. Qui la sua azione è enfatizzata dal capovolgimento dell’inquadratura. Canon 5D, 100/2,8 Macro, 1/125 c, f/14, ISO 100.

Foto di Yegor Naryzhny

Sfondo

La composizione è nata molto prima della fotografia. La composizione è insita in qualsiasi opera d’arte, sia essa piana o tridimensionale; se c’è un’opera d’arte, deve avere una composizione. La composizione più vicina a quella fotografica è naturalmente quella pittorica, che è stata oggetto di meditazione per molte generazioni di artisti. È divertente notare che nel breve secolo e mezzo di esistenza della fotografia anche se è stata arte di massa per molto meno tempo sono apparsi più manuali sulla fotocomposizione che nell’ultimo millennio di pittura sulla composizione. Non perché sia più facile dipingere, ma perché è più serio. Negli ambienti artistici non è consuetudine pensare che basti acquistare un paio di pennelli e una dozzina di tubetti di vernice, leggere un breve manuale sulla creatività e iniziare immediatamente a creare capolavori. E dove c’è bisogno di una formazione approfondita, non c’è motivo di mettere per iscritto molte cose, soprattutto quando è inutile recitarle in teoria, ma bisogna imparare a sentirle di persona e capire perché una stessa tecnica spesso funziona e a volte rovina tutto.

Parte e tutto

Composizione, in latino, significa “unione”, cioè il collegamento di tutte le parti, di tutti gli elementi di un’immagine in qualcosa di completo. In questa breve formula c’è così tanto significato, che è facile perdere le parti importanti. Per prima cosa, è necessario capire quali parti di un’immagine sono. Non si tratta solo di tutti i dettagli significativi della scena – persone, tavoli e alberi – ma anche di spazi vuoti, parti non riempite dell’inquadratura, cielo, sfondo e così via. Ricordiamo, ad esempio, la famosa opera di Carlson “Un gallo molto solo”: in essa l’intero foglio di carta intatto era la parte principale della composizione, che conferiva al gallo solitario rannicchiato in un angolo la qualità più importante: la solitudine.

Inoltre, anche le cose che non sono affatto presenti nell’inquadratura, ma che vengono inventate dallo spettatore, possono essere un elemento compositivo: ad esempio, se si riprende un triangolo con il vertice tagliato, il punto in cui si troverebbe il vertice diventa un importante elemento compositivo dell’inquadratura anche se nella realtà fisica dell’immagine è solo un punto vuoto .

Non solo la figura dell’uomo è un elemento compositivo completo, ma anche un pezzo di sfondo di forma complessa tra l’inquadratura e la figura e un altro pezzo tra la sua gamba e la sedia su cui è seduto. La composizione è democratica: la figura scura e le sezioni chiare dello sfondo che la circondano sono entrambe pienamente partecipi della causa comune. Tutti i pezzi del puzzle, sia quelli realmente presenti che quelli “assenti”, come lo sfondo vuoto, e quelli immaginari, dovrebbero idealmente essere belli da soli e in più dovrebbero essere combinati tra loro, in modo che nella loro connessione emerga una nuova qualità e si formi una composizione, che è un’opera unificata.

Queste connessioni possono essere molto diverse, basate sulla somiglianza, come due linee parallele, o, al contrario, basate sul contrasto e sull’opposizione, come una foglia gialla e un cumulo di neve bianca, ma devono essere. Gli elementi della cornice possono tendersi l’un l’altro o allontanarsi e litigare, ma sono destinati a interagire in qualche modo. L’uomo pensa soprattutto in termini di opposizioni, come luce e buio, grande e piccolo, silenzioso e attivo, ed è per questo che le relazioni di contrappunto e di contrasto tra gli elementi della cornice sono più comuni dell’uniformità senza problemi.

Se un elemento può essere rimosso o tagliato senza alcun danno evidente per la struttura, è superfluo, le sue connessioni con gli altri elementi sono deboli o assenti ed è meglio farne a meno. Se trovate che l’area vuota sia un po’ troppo grande, ma quando provate a ritagliarla notate che si affolla nell’inquadratura e lo sguardo, ad esempio, dell’eroina inizia a poggiare contro l’inquadratura, lasciate il vuoto così com’è, è una parte necessaria della composizione. Tra l’altro, uno dei contributi più importanti alla composizione, e uno dei più importanti per qualsiasi fotografia, è l’inquadratura. Questa è la base della composizione e deve essere sempre tenuta presente.

“L’armonia e le leggi della composizione

Ricordo che Mikhail Zoshchenko, interessandosi al tema dell’amore nella letteratura mondiale, rimase colpito dall’abbondanza di definizioni prive di significato date a questo sentimento in epoche diverse, come “l’amore è come una combinazione divina di suoni celesti”. È molto simile alla composizione. In ogni altro testo sull’argomento si incontrano interpretazioni in cui “armonia”, “creatività”, “equilibrio” e “bilanciamento” sono spiegati l’uno con l’altro, e questi bellissimi concetti possono essere scambiati in qualsiasi ordine, da destra a sinistra, anche attraverso uno solo, senza che il significato cambi molto. Cerchiamo quindi di spiegare l’essenza delle leggi di composizione attraverso qualcosa di più lucido.

Poiché la composizione è un insieme di relazioni tra diverse parti dell’inquadratura e parti in sé è improbabile che le ciglia siano un elemento di composizione in un tipico ritratto; l’elemento più piccolo sarebbe l’occhio , potremmo paragonarle alle relazioni tra persone: a qualcuno piace qualcuno, a qualcuno l’opposto. Certo, ci sono alcune leggi in questo campo, così come in tutte le scienze, ma per esperienza sappiamo che le leggi sono leggi, ma in pratica non è facile prevedere come sarà il rapporto tra le persone.

Lo stesso vale per la composizione: le sue leggi, ovviamente, devono essere apprese, ma bisogna capire che la conoscenza di esse da sola non garantisce nulla. Un giovane che ha deciso di riconquistare la ragazza farebbe bene a imparare le regole del galateo, ma è strano pensare che dopo questo la questione sia in tasca. Uno dei migliori consigli sulla composizione è quello di imparare le sue leggi e poi cercare di dimenticarle completamente, in modo che siano applicate inconsciamente e non calcolate. e. non come motivo, ma come metodo.

Inoltre, le leggi di composizione sono di carattere piuttosto generale. Se indicano il punto in cui deve essere collocato un elemento dell’immagine, nella pratica ci può essere una notevole tolleranza e il punto può diventare un’area piuttosto ampia. Non si può farli lavorare come un martello. Si è arrivati al punto che un folto gruppo di ricercatori di San Pietroburgo, studiando la percezione delle leggi di composizione durante anni di test psicologici, è giunto alla conclusione che queste leggi non esistono affatto, o meglio, che l’errore statistico e le differenze individuali sono troppo grandi. Mi chiedo che cosa potrebbero scoprire i ricercatori se decidessero di studiare le storie delle relazioni sentimentali in questo modo?

Base geometrica di un telaio

Le relazioni compositive funzionano in modo complesso, ma per comodità di descrizione possono essere suddivise in lineari e tonali queste ultime includono anche gli accenti di colore . Le relazioni lineari esistono non solo sotto forma di linee visibili nell’inquadratura formate dai contorni degli oggetti, ma anche sotto forma di “linee di forza”, linee immaginarie che collegano i punti più importanti dell’immagine. L’artista francese Charles Boullot scrisse il libro “Geometric Secrets of Painting” Segreti geometrici della pittura , in cui analizzò una serie di dipinti classici, identificando le linee di composizione in essi presenti. E sebbene la costruzione di queste linee sia ovviamente soggettiva, esse permettono di capire molto sulla composizione, perché la percezione della pittura è, per definizione, soggettiva.

La costruzione della composizione inizia con la collocazione del soggetto principale al centro dell’inquadratura, e a questo punto tutte le soluzioni compositive si dividono in simmetriche e asimmetriche. Quelle simmetriche, in cui il soggetto principale è posto al centro dell’inquadratura o almeno su uno degli assi principali, sono considerate statiche, anche se il termine “compiute” potrebbe essere più adatto. Ma nella pratica può essere completamente diverso: ad esempio, molti ritratti, sia primi piani che a figura intera, sono collocati al centro dell’inquadratura e non sempre possono essere definiti statici. In particolare, mettere il soggetto principale al centro significa che non ha bisogno di altri oggetti nell’inquadratura, che è autosufficiente: la soluzione giusta per un ritratto. In generale, la pratica della composizione fotografica resiste a distinzioni nette: collocare il soggetto principale nella parte bassa dell’inquadratura potrebbe deprimere l’osservatore o, al contrario, designare uno spazio per lo slancio verso l’alto.

Una composizione asimmetrica richiede qualcosa di più dell’oggetto principale, almeno lo spazio vuoto che può essere trattato come habitat o stabilire la scala per esempio, una persona che riempie l’intera inquadratura sembra monumentale, ma una persona circondata da un enorme spazio vuoto sembra al contrario solitaria, come il gallo di Carlson . In quest’ultimo caso, un pezzo “vuoto” della cornice deve essere disposto in modo che appaia come uno spazio significativo, come una figura. Può essere ottenuta con transizioni tonali o con una texture.

Peso e bilanciamento

Inserire un secondo, un terzo, ecc. d. un elemento importante in una composizione ben fatta crea una connessione significativa tra loro. È noto che la cornice dovrebbe includere un numero dispari di elementi importanti: si vedono meglio nell’immagine. E le connessioni compositive determinano la relazione tra le parti dell’immagine: può essere attrazione, subordinazione o conflitto. Allo stesso tempo, le connessioni tra gli oggetti sono definite, innanzitutto, dalla loro “pesantezza”, dalla loro importanza in una composizione. L’argomento più “pesante” subordina quelli meno importanti. È importante che la “pesantezza” sia a sua volta determinata da diverse caratteristiche dell’oggetto: le sue dimensioni, la differenza tonale rispetto all’ambiente circostante, la forma e l'”attività” generale che dipende dalla nitidezza dei contorni, dalla luminosità del colore e così via. Se nell’inquadratura ci sono due oggetti di cui non si riesce a capire a colpo d’occhio quale sia più “pesante” ad esempio, uno è più grande ma più largo, il secondo è più piccolo ma più luminoso , c’è un rapporto teso di lotta per il primato, che probabilmente sarà la percezione principale dell’immagine.

La “pesantezza” di un elemento compositivo è la sua caratteristica principale, che determina la tensione, la dinamica della composizione nel suo insieme. Ma dare una definizione rigorosa, e ancor meno ricavare una formula per il calcolo del “peso”, è difficilmente possibile, perché dipende da un numero enorme di fattori, diversi per ogni telaio. In un attimo: potrebbe essere la differenza rispetto a una serie di oggetti simili ad esempio, tutti vestiti e uno nudo, o tutti sfocati nella sfocatura e uno ripreso chiaramente , o la differenza rispetto allo sfondo circostante – in generale, qualcosa che faccia risaltare l’oggetto. Quanto più è lontano dal centro, tanto più “pesa” e, di conseguenza, anche un piccolo, ma attivo t. e. un oggetto nell’angolo può bilanciare un oggetto abbastanza grande nella parte centrale. Un fotografo ha addirittura paragonato la realizzazione di una composizione al posizionamento di diversi soggetti su un piatto di rame dell’arsenale del musicista, quello che attraverso il foro centrale è rigidamente fissato su una barra verticale. Più si avvicina l’oggetto al bordo della lastra, più si inclina verso di noi e il compito del fotografo è quello di evitare che si ribalti.

Composizione tonale

La composizione tonale è indissolubilmente legata alla composizione lineare e ne svolge le stesse funzioni: costruisce una gerarchia di rapporti tra gli elementi dell’immagine, solo che non percepisce come “materiale” compositivo le linee ma le macchie chiare e scure, colorate o bianche e nere. Più correttamente, le linee e le transizioni tonali formano delle “masse” un termine della composizione pittorica all’interno dell’immagine, che interagiscono tra loro. Le “linee di forza”, che disegnano la direzione delle connessioni tra le “masse”, possono essere percepite da uno spettatore esperto in modo inequivocabile.

Combinazioni di colori diversi nell’inquadratura: fa parte dei legami compositivi tonali. I principi di interazione sono gli stessi: un elemento piccolo e luminoso su uno sfondo contrastante può controbilanciare o, in termini di gerarchia, agire alla pari con un elemento abbastanza grande di colore meno sgargiante. Aggiungete una miscela di colori contrastanti alla giustapposizione di chiari e scuri, portando all’infinito il numero delle possibili possibilità compositive.

Le regole

Dopo aver apprezzato la teoria, si possono consultare i consigli pratici di composizione più diffusi dalla sua altezza, con un piccolo approfondimento sulla meccanica delle relazioni compositive. Sono pochi e molto distanti tra loro e la loro indubbia virtù è l’origine empirica, perché qui la teoria nasce dall’analisi istintiva di composizioni di successo. Uno dei maestri del fotogiornalismo sovietico diceva di conoscere solo due metodi compositivi: “l’oggetto al centro” e “la diffusione negli angoli”. Non suona raffinato come molti dei testi tradotti, ma si percepisce un bagaglio di esperienza alle spalle, tanto più che l'”accelerazione” nel suo lavoro è interessante.

Quindi:

Riempire l’inquadratura con il soggetto facoltativo: avvicinarsi . Dovrebbe essere inteso come un’istruzione a non “far entrare sconsideratamente nell’inquadratura qualcosa di superfluo, come oggetti domestici sullo sfondo”.

Non mettere il soggetto al centro dell’inquadratura. Il consiglio non è universale, per usare un eufemismo: ci sono moltissime foto straordinarie con una soluzione compositiva centrale. Ma è facile capirlo in termini umani, soprattutto quando si sono viste un paio di migliaia di fotografie amatoriali in cui il centro del soggetto è esattamente uguale al centro geografico.

Utilizzare la “regola dei terzi. Dividendo l’inquadratura in tre parti uguali in orizzontale e in verticale per le stesse tre, otteniamo 4 punti di intersezione di queste linee – il centro compositivo principale, e dove è meglio posizionare gli elementi significativi dell’inquadratura. Questa regola ha un’origine gemella più antica – la regola del rapporto aureo, in cui le linee dovrebbero essere eseguite non attraverso un terzo dei lati del telaio, e in 3/8 del bordo, in modo che tra le linee era 2/8. Un semplice calcolo mostra che il punto che si può trovare secondo la regola della sezione aurea è solo 1/24 della lunghezza del lato più vicino al centro dell’inquadratura secondo la regola dei terzi, ovvero. e. Nella maggior parte dei casi, un oggetto posto in uno di essi cadrà automaticamente nell’altro. La regola dei terzi è più semplice da enunciare, ed è probabilmente il motivo per cui è più popolare.

Separare il soggetto dallo sfondo, un requisito fondamentale nel mondo delle gerarchie a cui appartiene la composizione. Questo può essere ottenuto con una serie di accorgimenti tecnici: applicando una profondità di campo ridotta e sfocando lo sfondo o fornendo una differenza tonale colore, texture evidente tra l’oggetto e lo sfondo ad esempio, posizionando un oggetto chiaro su uno sfondo scuro e viceversa .

Utilizzare un’intelaiatura diagonale. La diagonale è la linea più potente e dinamica possibile in un rettangolo. Il posizionamento di importanti elementi compositivi aggiunge forza e dinamica all’intera inquadratura. Inoltre, se nell’inquadratura è presente una linea obliqua, è più naturale “portarla” in un angolo per migliorare la composizione.

Si può facilmente passare da una diagonale a una regola più semplice: creare punti di composizione importanti ai vertici di figure geometriche semplici e inserirli in un rettangolo di cornice. Le figure di influenza psicologica più ovvie, semplici e potenti: un triangolo e una croce. Le linee dell’inquadratura non devono essere necessariamente allineate in figure di questo tipo anche se potrebbero esserlo , ma devono formare “linee di forza” che collegano i principali nodi compositivi. Sia il triangolo che la croce possono essere disposti in modo rettilineo – in questo caso si tratta di una composizione piramidale per il triangolo una variante della piramide rovesciata e di una combinazione orizzontale-verticale per la croce, oppure obliqua – e l’intera composizione diventa eccezionalmente dinamica. La variante secolare di un triangolo obliquo, in cui uno dei suoi vertici si trova nell’angolo della cornice e gli altri due sui lati opposti, dividendoli in una proporzione significativa e interessante. La croce obliqua è la variante tradizionale in cui i raggi non si appoggiano agli angoli della cornice come la croce di Sant’Andrea, ma entrano nella cornice in prossimità degli angoli, formando una sorta di spirale.

Osservate la proporzionalità delle figure e dei pezzi vuoti dello sfondo che partecipano alla composizione. Molto spesso si scopre che il rapporto ideale tra la loro larghezza o lunghezza è il rapporto aureo, circa 1,62. I sostenitori della “fotografia pura” si sforzano di mantenere tutte le proporzioni quando scattano le foto; chi non ha ancora acquisito la padronanza dell’ideale non ha nulla che gli impedisca di usare Photoshop in seguito, compreso il magico strumento del “ritaglio”. Maneggiato con cura, può trasformare un’immagine!

Se non si tratta di scattare foto per motivi artistici, è meglio assicurarsi che le verticali e le orizzontali siano presenti nell’inquadratura. Un orizzonte inclinato, ad esempio, può rovinare completamente un’immagine di grande effetto. In questo caso vale la pena di provare a risolvere il problema anche con Photoshop.

Siete liberi di scegliere il vostro rapporto d’aspetto. Il classico formato 2:3 di una pellicola stretta va bene, ma anche il più elegante 4:5 o 3:4 è altrettanto valido. Provatelo: potrebbe piacervi. E il quadrato in pratica, però, spesso è preferibile allungarlo in verticale, dal 5% al 10% può aiutare seriamente la ricerca compositiva.

Cornice l’elemento principale della cornice. Questo metodo ne enfatizza l’importanza e può dargli un significato aggiuntivo. Si può incorniciare con tutti i tipi di ramoscelli veri, cornici di finestre, ecc. p., e si può utilizzare anche uno spazio vuoto, l’importante è assumersi la responsabilità delle dimensioni e delle proporzioni.

Dopo che il principiante ha imparato a non includere dettagli non necessari nell’inquadratura, può essere atteso dall’errore successivo: un ritaglio troppo stretto dell’inquadratura. Non soffocate il soggetto, dategli tutta l’aria necessaria nell’inquadratura. Se la persona inquadrata guarda a sinistra, lasciate abbastanza spazio a sinistra.

Ripetizione e ritmo

Gli elementi compositivi ripetitivi conferiscono all’inquadratura una qualità del tutto particolare, creando un proprio ritmo nell’immagine. Si tratta di uno strumento di influenza molto potente, ma purtroppo diventato molto banale negli ultimi decenni, soprattutto con l’ascesa delle agenzie di fotostock che mirano a vendere carte di marketing standard di impatto garantito. Gli intraprendenti artigiani fotografici hanno messo la produzione di fotografie sottoposte a ritmo su un flusso così forte che è giunto il momento di chiedere una pausa, perché oggi quasi ogni cartolina costruita secondo queste regole è percepita come professionale nel senso peggiore del termine.

Parlando di organizzazione di gruppi di oggetti simili nell’inquadratura, vale la pena sottolineare che un gruppo di più di 6-8 oggetti non viene più percepito come diversi oggetti singoli e si trasforma in un unico mucchio, t. e. in un soggetto sciatto. È inoltre necessario tenere presente questo aspetto quando si compongono gli scatti.

In conclusione

In realtà, esiste un numero enorme di regole e tecniche di composizione, come in ogni attività commerciale. Quanto sopra è solo l’inizio. Scegliere ciò che è più vicino e interessante per voi e migliorare. Non è necessario afferrare tutte le altezze e le profondità teoriche della conoscenza. Avere un’idea compositiva pratica e padroneggiare alcune tecniche di inquadratura forti è più che sufficiente per portare a termine il lavoro.

E ancora: un artista, compreso un fotografo, è idealmente il padrone del proprio lavoro. È libero di farli svolgere come meglio crede, di cancellarli se non si adattano al suo senso del mondo al momento e di inventarne di nuovi.

Buona ripresa!

“La composizione è il modo più potente di vedere.”

Edward Weston

La composizione in fotografia è già stata scritta e riscritta. Ai fotografi vengono offerti libri spessi sui meccanismi psicologici della percezione, dove è impossibile trovare la prima pagina senza un dizionario di parole straniere, e testi semplici come “non mettere l’oggetto al centro dell’immagine”… Ma l’argomento non è chiuso e difficilmente lo sarà nel prossimo futuro. Se non altro perché la composizione è la fotografia stessa

Sebbene il telaio sia quasi perfettamente simmetrico, non può essere definito statico. Uno dei punti interessanti è che la parte importante dal punto di vista compositivo viene spostata completamente fuori dall’inquadratura: involontariamente guardiamo dove dovrebbero essere gli occhi e l’inquadratura viene resa inattiva. Canon 400D, Tamron 17-50/2.8, 1/60 sec, f/11, ISO 100.

Foto di Yegor Narizhny

A prima vista la parte sinistra dell’inquadratura sembra un po’ vuota, ma quando si cerca di tagliarla, l’inquadratura resiste attivamente: la parte superiore dell’uomo che si libra in aria inizia a poggiare pesantemente contro il bordo, mostrando quanto l’aria sia necessaria qui. La piramide asimmetrica come base della composizione. Canon 5D Mark II, 24-105/4L, 1/400 s, f/20, ISO 320.

Foto di Yegor Narizhny

Un esempio di utilizzo di più trucchi compositivi contemporaneamente: primo, l’inquadratura la vegetazione è ideale per questo ; secondo, la simmetria che rende il soggetto particolarmente statico e sereno; terzo, l’inosservanza della celebre “regola dei terzi” perché la linea dell’orizzonte con le montagne divide l’inquadratura all’incirca a metà. La simmetria è sottolineata da una coppia di lanterne posizionate quasi simmetricamente, mentre la serenità è enfatizzata dalla laconica combinazione di colori bianco e nero. Canon 5D, 24-105/4L, 1/200 c, f/8, ISO 200, correzione dell’esposizione -1/3.

Foto di Igor Narizhnyy

Linee nell’inquadratura che conducono al soggetto principale e attirano l’attenzione su di esso: una tecnica classica della fotografia di moda e di genere. L’inquadratura trae vantaggio anche dalle combinazioni di colori: la gamma generale di colori rosso, bianco e nero negli abiti della modella e nel murale sulla parete. Non ha nulla a che fare con la composizione, ma in fotografia è sempre interessante combinare oggetti reali e dipinti. Canon 5D, 50/1,8, 1/60 sec, f/7,1, ISO 320.

Foto di Yegor Narizhny

La soluzione compositiva è qui definita dal dialogo tra il raggio di luce diagonale e la parete texturizzata bianca, con una figura scura e compatta nell’angolo in basso. Fragilità e fermezza, un fluire vivace e viscido del tempo in cui nulla cambia: queste sensazioni sono create principalmente dai metodi compositivi. Canon 400D, Tamron 17-50/2.8, 1/80s, f/8, ISO 800.

Foto di Igor Narizhny

La simmetria sembra sommarsi da sola, quando l’impressione principale del soggetto è quella di serenità e grandezza. Non a caso molte delle fotografie cerimoniali sono simmetriche, come tutte le strutture cerimoniali. Qui l’equilibrio del soggetto è intensificato dal fatto che circa la metà di esso è il riflesso dell’altra metà. Canon 5D, 24-105/4L, 1/500 sec, f/7.1, ISO 320, correzione dell’esposizione -1/3.

Foto di Igor Narizhnyy

Il mondo dei riflessi, delle illusioni, dei ricordi incoraggia una composizione frontale piatta con elementi ovviamente convenzionali: sia il cammello dipinto che la silhouette non possono vantare un particolare realismo. La composizione si basa sull’evidente ripetizione e sovrapposizione di due triangoli, uno in primo piano e l’altro sullo sfondo. Canon 400D, Tamron 17-50/2,8, 1/60 c, f/5,6, ISO 100.

Foto di Yegor Naryzhnyy

La composizione è composta in egual misura da ciò che è e da ciò che non è. Un rettangolo sfocato in una cornice che occupa un quarto dell’inquadratura: non è un simbolo del futuro e dei sogni della fanciulla? La sua rigidità domina l’immagine, suggerendo alcune associazioni semantiche, e la figura ritagliata nell’inquadratura quasi al centro aggiunge un certo simbolismo. Canon 400D, Tamron 17-50/2,8, 1/30 c, f/3,5, ISO 800.

Foto di Yegor Narizhny

Sebbene non sia troppo evidente, l’inquadratura è costruita sulla combinazione di due ritmi: una “zebra” pedonale sul marciapiede e strisce bianche e nere che ricordano i tasti di un pianoforte nei vestiti dei personaggi. Le teste erano superflue in questo caso. Canon 5D, 24-105/4L, 1/200 c, f/7,1, ISO 160.

Foto di Igor Narizhnyy

Come per la maggior parte delle fotografie di successo, si può parlare a lungo di composizione, anche se le immagini sono state scattate sulla base di un’intuizione. Il cerchio nella cornice ha un effetto quasi magico, in risonanza con i quadrati degli edifici sullo sfondo e con lo sguardo espressivo del ragazzo. Canon 400D, Tamron 17-50/2,8, 1/400 c, f/10, ISO 200.

Foto di Yegor Narizhny

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Un esempio di come la composizione possa creare una narrazione fotografica dal nulla. Difficilmente gli astanti indovineranno cosa ha fatto da base all’immagine: il guscio di una tartaruga souvenir in miniatura di madreperla. La giustapposizione tra la forte verticalità, i pesanti strati orizzontali e le linee di colore instabili crea un modello autonomo. Panasonic Lumix GF2, obiettivo Leica 45/2,8 Makro, 1/25 c, f/2,8, ISO 400.

Foto di Igor Narizhny

L’accostamento caotico degli oggetti più diversi può a volte creare un’atmosfera tale da catturare uno scatto. Qui viene utilizzato uno schema di composizione piramidale, ma al momento delle riprese non era nemmeno un’idea. Panasonic Lumix GF2, 14/2,5, 1/125 c, f/4,5, ISO 100.

Foto di Igor Narizhnyi