La composizione è la struttura portante dell’immagine

La popolarità a valanga della fotografia e la circolazione intensiva di informazioni fotografiche sotto i nostri occhi si sta trasformando in cambiamenti qualitativi delle immagini scattate, proprio come i classici della dottrina semidimenticata avevano preannunciato. Per quanto gli scettici possano brontolare, il livello dei concorsi fotografici e di ciò che viene mostrato sui siti web di fotografia oggi è incomparabilmente superiore a quello di dieci anni fa. E di conseguenza le verità alfabetiche su cui si basava l’educazione alla fotografia si sono rapidamente deteriorate.

La naturalezza è una posa così difficile.

Oscar Wilde, “Il marito perfetto”

A prima vista, questo scatto sembra violare il più importante consiglio di composizione che ogni libro per dummies ha: la linea dell’orizzonte divide l’inquadratura a metà. Il vero motivo per evitare la simmetria è rendere l’inquadratura più dinamica, perché la delimitazione al centro nella maggior parte dei casi fa sembrare l’inquadratura statica. Ma qui la statica è superata dal contrasto tra la calma metà inferiore e le montagne cumulative sopra, e dal colore esuberante ho dovuto riaggiustare il bilanciamento del bianco: era in automatico, e il cervello della macchina fotografica ovviamente non riusciva a concepire che tali colori potessero esistere in natura . Scattare in formato RAW aiuta: rende molto più semplice la correzione del colore .

La costruzione della cornice, quando la sua divisione longitudinale con la linea centrale è completata da un quadrato nell’angolo che è contrassegnato da una montagna arancione a sinistra , rappresenta la marcatura più semplice di una spirale, una figura compositiva molto importante.

A proposito, non è necessario combattere la vignettatura dell’obiettivo in posizione grandangolare: spesso funziona perfettamente come elemento di cornice.

Canon 5D, Canon EF 24-105 mm f/4L IS USM, 1/200 c, f/5,6, ISO 400, lunghezza focale 24 mm.

Composizione come organico

Progressi

Questo è più evidente nella comprensione dell’essenza della composizione, che è stata discussa più di una volta e lo sarà sempre, in quanto è l’ossatura portante della fotografia. Non c’è bisogno di spiegare che le regole compositive sono convenzionali e non obbligatorie, e che la loro memorizzazione non garantisce alcuna crescita creativa, anche se aiuta a capire gli errori e, se ci si impegna, si possono evitare.

La composizione ha finalmente iniziato ad essere adeguatamente compresa come somma imprevedibile di una moltitudine di fattori, alcuni evidenti e altri meno, ed è sul punto di ripensare la nozione stessa di composizione, scivolosa e sfaccettata. Le sue aride definizioni accademiche, pur essendo buone per i libri di testo, sono di scarso aiuto per un fotografo nella pratica quotidiana, e le descrizioni più figurative sono comprese non da tutti, ma solo da coloro che attraverso un lungo e duro lavoro di testa e di occhio si sono avvicinati alla propria comprensione della composizione e sono alla ricerca delle proprie formule personali. Guidati da questo collega hobbista, proviamo a dare un contributo alla causa comune.

Cosa dire

È interessante notare che più un fotografo artista o designer è esperto, meno discute della composizione in generale e dei suoi principi generali. Per una particolare inquadratura – per favore, analizzate volentieri i suoi successi e i suoi fallimenti, parlate delle vostre attuali o precedenti inclinazioni compositive, e in generale, a prescindere da ciò che dite? La composizione o funziona, o non funziona affatto, o non è niente di speciale. E se si scende nelle discussioni generali si capisce fino a che punto siano vere le parole “un pensiero pronunciato è una menzogna”: ogni affermazione apparentemente ovvia viene immediatamente smentita dalla pratica che dà luogo a numerosi casi di violazione riuscita… Ciò non sorprende: la composizione è un linguaggio non verbale, a differenza della narrazione, e questi fenomeni vivono di leggi diverse.

L’unica cosa che si può dire è che ogni ragionamento sulla composizione, così come la sua analisi, è un’attività riflessiva che avviene a posteriori; anche se si tratta di possibili versioni di un’immagine fissa non ancora scattata, si analizzano i progetti di composizione già esistenti. Cioè, in qualche modo sconosciuto mi chiedo quale! si forma nel cervello e solo il risultato finale è oggetto di discussione.

Composizione come fisiologia

Alla mia domanda sulla composizione un artista, che insegna pittura, ha risposto che non ha senso discuterne teoricamente, ma è più corretto paragonarla a una posa che una persona assume inconsciamente o deliberatamente. Di quali regole si parla?? Naturalmente, se si vuole davvero, si possono ricavare leggi e raccomandazioni anche in questo caso per esempio: se ti senti senza casa, rimpicciolisciti, se ti senti aggressivo, fatti intimidire , ma è possibile farlo con la testa a posto?? Oppure provate a descrivere a parole un colpo di karate: è possibile, ma non ha senso.

È molto più ragionevole cercare di allenare il proprio corpo fotografico in modo che si formi magnificamente ci sono intere professioni basate su questo . Anche dal punto di vista pratico è molto più conveniente parlare di composizione in questo modo: è la pratica fotografica che fa di una persona un fotografo, non la teoria a tavolino. Un atleta ha bisogno di un allenatore più che di un film sulla struttura dei muscoli anche se non sarebbe male , ma l’allenamento è ancora più importante. Se non si scatta da molto tempo, ci si è esauriti e questo si vedrà negli scatti, anche se si è letto un libro intero sulla teoria.

Il parallelo è conveniente anche perché l’adozione della posizione del corpo e della composizione è in gran parte dettata dalla subcoscienza e dalle specificità personali nei libri di testo di fotografia non c’è nulla al riguardo .

Formazione

Tra i metodi di formazione pratica delle abilità compositive due sono ben noti ed entrambi provengono dalla cinematografia, dove il rapporto tra tempo, professionalità e denaro è il più forte , ed entrambi possono essere caldamente raccomandati a tutti i fotografi. La prima è la tecnica classica di portare con sé una piccola cornice nera e incorniciare tutto ciò che si incontra. Il secondo consiste nel disporre figure compositive interessanti da un determinato numero di fiammiferi all’interno di un cartoncino grigio rettangolare che funge da cornice un tempo era un compito di routine nei corsi di regia . È interessante notare che questi esercizi di base affrontano l’allenamento della composizione da diverse angolazioni, catturando l’allievo in modo militare: le partite sviluppano la comprensione soggettiva dell’armonia, l'”occhio interiore”, la cornice l'”occhio esterno”. L’unione di questi due sguardi forma l’immagine del fotografo.

Il ruolo del mirino

Interessanti sono alcune conseguenze pratiche di ciò che ha detto. Si noti che entrambi gli esercizi di base si basano sull’interazione attiva con la cornice, non nel senso di un perimetro ma di un campo vibrante in cui si svolge la vita compositiva. Con la macchina fotografica, è il mirino e si deve interagire con esso, che impone determinate condizioni. In particolare, il flagello della “figura” della moderna reflex digitale è il minuscolo mirino, che i fotografi europei prendono in giro con il “tunnel” anche se la situazione è migliorata un po’ di recente, in parte con l’uso di un design dell’oculare più avanzato, in parte con l’introduzione del Live View . È molto difficile immaginare che un fotografo con occhi medi sia in grado di comporre un’inquadratura con un’abbondanza barocca di dettagli e texture sottili in un mirino di questo tipo, almeno intenzionalmente. Questo porta a una composizione “a grandi blocchi” basata sull’interazione di grandi parti nell’inquadratura. Come scrisse Gogol a proposito del volto di Sobakevich: ci sono molti volti che la natura impiega poco tempo a saggiare, agitando l’ascia una o due volte, tamponando gli occhi con una sgorbia ruvida, e infine liberandoli nella luce!

Allo stesso tempo, è difficile immaginare che un normale fotografo che compone un’inquadratura attraverso, ad esempio, un mirino di medio formato possa resistere alla tentazione di mettere in risalto i dettagli più succosi in una sezione importante dell’inquadratura, conferendole una diversità compositiva e multi-scalare. Non è necessario essere consapevoli di tutto ciò: è il modo in cui l’attrezzatura influisce sull’immagine finale. Questo è il motivo per cui nelle specifiche delle reflex digitali serie viene data molta importanza al mirino.

A questo proposito, l’inclusione del Live View in una moderna DSLR dovrebbe essere accolta con grande favore. Anche se non è una panacea e non è un ideale, e per i miei gusti si potrebbe inventare un piccolo oculare rimovibile per uno schermo con ingrandimento, come su una miniera classica, ma in ogni caso si ha una scelta e opzioni aggiuntive.

Il ruolo della stampa

Un’altra cosa interessante è il modo in cui la scala di un’immagine che è in gran parte stabilita dal fotografo al momento dello scatto viene realizzata nella stampa finale. Gennady Grikov, insegnando ai suoi studenti, fece questa esperienza: diede loro una piccola stampa e chiese cosa vi vedessero. Risposta: “Prato stupido”. E vedendo lo stesso scatto, ma stampato in formato più grande, si notano le farfalle nella radura, che erano l’elemento principale che “rendeva” l’inquadratura. Si può “entrare” in una stampa di grandi dimensioni, è simile a un essere umano. Ma anche questo non è sempre necessario: ci sono molti superbi fotografi soprattutto quelli con una visione filosofica del mondo che non realizzano quasi mai stampe più grandi di circa 20×25 cm, o addirittura più piccole. Le dimensioni della stampa impongono una certa distanza tra il fotografo e l’osservatore, comprimendo il mondo in un’unica immagine.

Strumenti su larga scala

Ma oltre alla stampa intenzionale, esistono metodi puramente compositivi per determinare la scala nell’inquadratura, principalmente attraverso le relazioni soggetto-sfondo. Nella sua forma più semplice, si presenta come un rapporto tra le dimensioni di un oggetto e l’intera inquadratura o tra un oggetto e le grandi parti passive dell’inquadratura che formano lo sfondo. Senza entrare in dettagli come l’attività tonale e cromatica del soggetto, il rapporto è piuttosto semplice, a livello di aritmetica; fortunatamente, in fotografia ci sono di solito molti fattori in gioco, quindi non siamo minacciati dalla semplicità all’ingrosso.

Tempo

Un aspetto poco citato, ma estremamente potente, della composizione è il modo in cui stabilisce il flusso del tempo nell’inquadratura. Il tempo è speciale, fotografico; tutti gli eventi temporali – prima, durante e dopo il momento catturato – sono implicitamente ed esplicitamente contenuti all’interno del fotogramma simultaneamente, in una forma compressa, e permettono una lettura sequenziale, come nel film in qualsiasi ordine e con qualsiasi numero di ripetizioni desiderate. In questo processo, gli ausili compositivi svolgono un ruolo cruciale.

Il fatto è che di solito, dopo aver dato un’occhiata generale a una foto ed esserne interessati, iniziamo a esaminarla in parti, soffermandoci su qualche frammento, tornando di nuovo su qualche frammento e passando da uno all’altro. La complessa traiettoria del nostro sguardo a cui sono dedicate molte ricerche è ciò che determina la direzione di questo tempo congelato – ora all’indietro, ora in avanti, ora in cerchio. Per esempio, una cosa così semplice come lasciare un piccolo spazio vuoto davanti al viso di una persona che guarda in avanti è già una leva in miniatura, che dirige il tempo nell’inquadratura in una certa direzione. Tuttavia, lo studio del tempo fotografico è già al limite della pura finzione, che minaccia di spaventare qualsiasi altro dilettante che cerchi un risultato rapido. Proviamo a pensare alla composizione come armoniosa, confortevole o espressiva, a livello della posa umana, della disposizione delle parti dell’inquadratura, che sembra essere un approccio prospettico.

Buona ripresa!

Un buon esempio di quanto possa essere potente un obiettivo grandangolare come strumento compositivo. Qui lo zoom ultragrandangolare scattato a 14 mm in posizione full frame risucchia letteralmente lo spazio in sé, trasformandolo in un imbuto. Il contrasto tra la terra pesante e piena di dettagli naturali e il cielo plumbeo fa venire in mente la canzone ucraina “Sto guardando il cielo…”, anche se l’eroe dello scatto è un pellegrino chassidico sembra che gli archetipi siano comuni a tutti . Una figura piccola e ricurva contro l’immensa distesa del paesaggio, un’illustrazione perfetta della nozione di scala nella cornice.

Importante dettaglio pratico: se nell’inquadratura ci sono parti vicine di piani diversi vicini, lontani , cercate di scegliere un punto di ripresa tale che si sovrappongano leggermente, come in questo caso la testa di un pellegrino viene riflessa dal bosco nell’acqua. Rende i piani più chiari e semplicemente più belli.

Foto: Dmitry Serebryakov.

Nikon D3, Nikon 14-24 mm f/2.8G ED AF-S Nikkor, 1/640 c, f/4, ISO 400, compensazione dell’esposizione -2/3 EV, lunghezza focale 14 mm.

Capita spesso che in un’unica inquadratura ci siano due o tre centri di trama, uniti da complicati intrecci immaginari e semplici connessioni geometriche. A mio parere, ci sono tre centri di questo tipo: certamente la croce sullo sfondo che domina l’inquadratura, il mucchio di pietre accatastate sotto di essa non nella vita, ma secondo la storia “leggenda” che guardano la croce dal basso, e il centro meno progettato – il complesso cielo che guarda tutto dall’alto con un’immaginazione sviluppata si potrebbe dire che le nuvole vorticose formano una sorta di occhio . Tutti insieme formano una struttura complicata che assomiglia a un manubrio o a una clessidra.

In origine, l’immagine a colori è stata convertita in B/N proprio perché la varietà dei colori oscurava la struttura grafica della coerenza, e il colore grigio uniforme raccoglieva l’intera inquadratura in un’unica tela senza fare alcuna differenza tra il giallo della terra e l’azzurro del cielo.

Per ottenere il giusto contrasto ho convertito l’immagine in monocromatica in Photoshop con Channel Mixer preset Red Filter , e poi ho regolato il limite inferiore dei toni in Levels a circa il 10.

Canon 5D, Canon EF 24-105mm f/4L IS USM, 1/160s, f/14, ISO 100, compensazione dell’esposizione -1/3 EV, lunghezza focale 35mm.

La formula compositiva di questo scatto è una combinazione di diagonali sentiero + gatto e verticali parallele grondaie, finestre . La macchia scura di verdura doveva essere spostata ai margini della cornice, in modo da mantenere un ruolo secondario e non interrompere la conversazione tra gli elementi principali.

Tra l’altro, “Photoshop” è in grado di gestire in modo giocoso molti problemi di pellicola questa scansione . Particolarmente interessante è l’uso del filtro “Unsharp Mask” con un’impostazione di raggio approssimativamente 14-20, forza 55 – migliora il contrasto locale e dà maggiore profondità all’immagine.

Pentax 67, obiettivo 90/2,8.

Questo quadro convive pacificamente con due soggetti del tutto indipendenti, anche se nessuno di essi da solo basterebbe per un’immagine completa: una coppia di barche ghiacciate presso un muro veneziano vuoto e, sullo sfondo, una giovane donna che calpesta vigorosamente un ponte. La loro giustapposizione è il luogo in cui vive l’inquadratura. È vero, c’è un’altra bacchetta universale: la superficie dell’acqua a specchio. I riflessi di uno specchio d’acqua possono animare quasi tutte le scene e aggiungervi un significato con la semplice giustapposizione di un originale tangibile e di una copia malferma. Devo anche aggiungere che la pietra e l’acqua sono ottimi modelli.

Pentax 67, obiettivo 90/2,8.

Molto spesso uno scatto “funziona” quando i suoi elementi si formano spontaneamente in figure interessanti. In questo caso, i contorni dei vestiti delle due mimi formano un semicerchio riconoscibile che si inserisce nel rettangolo dell’inquadratura più o meno nella stessa proporzione della fontana di Monaco. La direzione delle braccia e dei ventagli, così come l’inclinazione delle figure, disegnano diagonali nell’inquadratura, aggiungendo espressione, e il fatto che le ragazze siano in piedi su trampoli e sembrino librarsi dal suolo, aggiunge una qualità fantasmagorica all’inquadratura.

Il cielo nero è allo stesso tempo facile e difficile da fotografare: è ottimo come sfondo piatto senza distrazioni, l’unico problema è evitare che occupi troppo spazio nell’inquadratura qui è sul bordo e che formi forme interessanti delineate dai soggetti principali e dalla cornice. A questo proposito, né la texture né il colore dello sfondo possono salvarlo: è il contorno complessivo che conta.

Canon 5D, Canon EF 24-105 mm f/4L IS USM, 1/40 c, f/4,5, ISO 3200, lunghezza focale 24 mm.

Si tratta di una scansione da un’inquadratura stretta, e dal punto di vista compositivo è degna di nota, se non per il fatto di mostrare la forza e la dinamica della verticale leggermente inclinata, che tuttavia è ancora molto lontana dalla diagonale. Interessante anche il ruolo evocativo dell’angolazione: la ripresa dall’alto imita il sollevamento della testa e, di conseguenza, l’intera gamma di sensazioni che si provano nel fissare qualcosa di grande e alto anche se il manichino è piuttosto standard . Questa prospettiva è consigliata per dare un senso di monumentalità all’immagine.

Canon EOS 5, Tokina 28-70 mm f/2.8 AT-X 287 PRO SV AF.

Una parte della struttura di un ponte pedonale a Londra ha svolto perfettamente il ruolo di cornice. Compositivamente l’inquadratura è sostenuta dalle parallele orizzontali appena visibili e, meno evidente, dal fatto che le due figure scure – il centro compositivo dell’inquadratura – dividono lo sfondo scuro alle loro spalle quasi nella stessa proporzione, dal lato sinistro, dell’intera ampia campata, dal lato destro.

Canon EOS 5, Sigma AF 70-200 mm f/2.8 EX HSM.

Un oggetto insolito, soprattutto di forma geometrica semplice che spesso è più espressiva di qualsiasi altro composto , può diventare esso stesso la base di una composizione. Quando si inquadra una figura geometrica in un rettangolo, bisogna prestare molta attenzione alle sue proporzioni. In questo senso, gli zoom risparmiano molta energia muscolare. La foto, tra l’altro, è assolutamente veritiera, senza miracoli di ritocco: si tratta di una fontana sferica a specchio sulla piazza del casinò di Monaco, che riflette onestamente tutto ciò che la circonda. Ho dovuto mettere il telezoom quasi all’estremo per riempire l’inquadratura una recinzione mi impediva di avvicinarmi . Si potrebbe dire che siamo di fronte a una sovrapposizione di riflessi sull’originale, ma per me questo scatto funziona soprattutto grazie alla magia della combinazione di semplici forme geometriche: un cerchio, una mezzaluna il riflesso del cielo e un rettangolo.

Canon 5D, Canon EF 70-200mm f/4L USM, 1/400s, f/9, ISO 125, compensazione dell’esposizione -1/3 EV, lunghezza focale 175mm.

Un esempio di costruzione compositiva principalmente con elementi di grandi e medie dimensioni. Lo sfondo piatto e monocromatico e la gamma di colori tenui sono molto importanti e sottolineano la natura convenzionale e astratta dell’immagine, che tuttavia è piuttosto realistica: si tratta di uno scatto della serie di fotografie realizzate durante lo smantellamento dell’antico showroom della Casa dell’Artista Centrale. I tavoli e le sedie sono già stati portati via, i quadri sono stati rimossi dalle pareti e le luci del dipinto sono ancora accese, portando associazioni filosofiche.

Pentax *istD, Sigma 18-50 mm f/3,5-5,6, 1/8 c, f/3,5, ISO 1600, compensazione dell’esposizione -2/3 EV, lunghezza focale Eq. 28 mm.

Due archi più o meno “paralleli” che tagliano diagonalmente l’inquadratura sono un modo sicuro per organizzare rapidamente l’inquadratura. È adatto per i casi in cui lo scatto è realizzato a scopo puramente decorativo giocando con il colore e/o la texture . In questo caso gli archi sono completati con successo da elementi di colore contrastante che allineano le diagonali perpendicolari. Questo sfrutta l’enorme profondità di campo delle fotocamere compatte. Non sarebbe un bene per l’inquadratura se alcuni dettagli fossero sfocati.

Fujifilm FinePix F30, 1/160 c, f/4, ISO 200, compensazione dell’esposizione -1/3 EV.