L’occhio dell’autore nella fotografia

L’inquadratura alle spalle del protagonista, spesso utilizzata nei film, crea l’impressione di vedere la scena attraverso i suoi occhi, e per questo ci identifichiamo involontariamente con lui. In generale, l’identificazione dello spettatore con qualcuno l’autore o l’eroe o qualcosa nell’opera d’arte è un tema trasversale a tutta l’arte e il criterio chiave per capire che si tratta di arte.

Devo confessare che ho scattato a caso, senza troppe aspettative, ma è stato il miglior scatto della giornata. Ricordiamo che, secondo i testimoni oculari, lo stesso Cartier-Bresson scattò non poche foto e la proporzione di stampe da lui scattate, secondo molte testimonianze, era abbastanza standard, ovvero. e., se lavorasse nella nostra casa editrice, dovrebbe ascoltare un contabile brontolare: sono stati acquistati 2 film, ma le sequenze erano solo 3, quindi è un evidente spreco. Lezione pratica: scattate le vostre foto alla minima sollecitazione e avrete maggiori possibilità.

L’inquadratura “funziona” grazie alla soluzione compositiva: c’è uno schema trasversale obliquo una fila di tavoli-sedie e lo sguardo dell’eroe che la attraversa, su cui stiamo speculando e, tra l’altro, uno di quei casi in cui un sensore croppato avrebbe dato un risultato migliore di uno full-frame, come in questo caso i dettagli fuori fuoco nella parte alta dell’inquadratura sarebbero stati meglio evitati .

Canon EOS 5D, 24-105/4L a 75 mm, ISO 100, 1/15 sec, f/7,1, compensazione dell’esposizione -1/3, priorità diaframma.

La domanda più importante in fotografia è: perché vuoi farlo?.

“I miei ritratti dicono più di me che delle persone che fotografo.

Richard Avedon

Perché?.. Se invece si fotografa per mestiere, è un’altra storia. Il fotografo Vladimir Arkhipov ha detto più di una volta che un fotografo dilettante serio è ai suoi occhi superiore a un professionista, perché il percorso da lui al Maestro è più breve e più rettilineo, e un professionista spara salsicce.

Ciò che è vero è vero: chiunque scatti per soldi vi dirà che una parte importante della fotografia a pagamento è quando vi portano in un posto sgradevole e vi dicono: “Rendilo bello, ci serve per il catalogo”. Da lì si tratta di avere le tecniche e i trucchi giusti.

Certo, è sempre una gioia se la bravura è massima e la foto è bella non mi stanco mai di chiedermi quale entusiasmo infantile provi un vero fotografo, anche se è diventato grigio, per il processo tecnico dello scatto , ma questo non cambia l’essenza della questione: si può fare una foto gioiosa anche di una salsiccia.

Tutt’altra cosa è quando una persona fotografa per un’esigenza interiore: “perché mi piace”. L’impulso all’auto-espressione risiede negli strati più profondi della psiche e si manifesta in modo indistinto: qualcuno spara, qualcuno compone, qualcuno fa lavori di cucito, e se non c’è nulla del genere – scrive sulla staccionata ..

Inoltre, qualsiasi opera d’arte ha valore soprattutto perché è uno specchio in cui una persona può vedere se stessa in modo oggettivo, se lo vuole e se ci prova come dice Viktor Ivanovsky, se sei sentimentale, le tue foto sono sentimentali; se sei stupido, le tue foto sono stupide . E in genere non c’è un altro specchio. Quindi, senza arte sarete visti dagli altri molto meglio di quanto non lo siate voi stessi, ma con l’arte avrete la preziosa possibilità di vedervi, capirvi e migliorarvi.

Solo in questo contesto vale la pena ricordare le parole di Sekou Asahara, giustiziato per l’attentato alla metropolitana di Tokyo: egli disse che la peggiore punizione attende gli artisti e gli intrattenitori nell’aldilà, perché insegnano alle persone a reagire all’ambiente circostante in modo falso alieno . Dopo aver visto dei bellissimi esempi, un uomo ripete le parole di qualcuno e fa una smorfia invece di riflettere su ciò che lo riguarda personalmente, cioè su chi è in realtà.

La domanda è sempre difficile e a volte persino dolorosa, e risposte semplici come “sono argentino” o papuano , “sono un appassionato di calcio” o “sono un rocker” non soddisfano a lungo una persona esigente. Le opzioni alienate sono più pericolose: non sono così semplici e possono rimanere impresse nella mente per sempre. In effetti, li conosciamo molto bene: sono francobolli fotografici.

“Una macchina fotografica può fotografare un pensiero”.

Dirk Bogarde

Uno dei modi migliori soggettivamente, ovviamente e certamente più interessanti per affrontare tutti questi temi è la fotografia. In ogni fase della sua creazione soggetto, composizione, scorcio, ecc. la scelta è fatta per intuizione. La fotografia è sempre una questione di scelta, di trovare la soluzione più interessante tra un insieme di possibili soluzioni.

Sembra che in ogni caso siamo limitati a poche varianti, ma un musicista ha a disposizione solo 7 note e nessuno si lamenta mai che non c’è spazio per suonare. E qualsiasi casalinga cucina una zuppa con lo stesso insieme di patate, carne e sale ed è sempre diversa. È nelle piccole peculiarità di scelta di ogni fase fotografica che risiede la base materiale dell’inizio dell’autore, la materia prima da cui è composto.

Potreste essere in piedi dove siete, oppure indietro o seduti. È possibile incorniciare l’angolo dell’edificio o lasciare uno spazio vuoto intorno al bordo. È possibile introdurre una correzione dell’esposizione di meno due, oppure lasciarla a zero… Beh, c’è una scelta. Poiché la fotografia, nella sua variante propria, è per lo più un’arte non verbale il che significa che nessuna immagine può essere sostituita nemmeno da una dettagliata descrizione verbale, rimane sempre qualcosa di ineffabile, di inefficace nelle parole , la scelta viene fatta ogni volta in modo intuitivo.

Naturalmente qualsiasi fotografo vi spiegherà facilmente dopo lo scatto perché si è seduto o ha oscurato l’inquadratura, ma questo non significa molto: siate certi che se due fotografi con la lingua lunga riprendono la stessa scena in modo diverso, entrambi giustificheranno la loro scelta in modo altrettanto convincente. La logica viene dopo, quando c’è già una decisione intuitiva. È questo che dovreste sviluppare in primo luogo e che, a sua volta, svilupperà voi.

“Non ci sono regole per una buona fotografia. Ci sono solo belle foto”.

Ansel Adams

Sono le deviazioni dalle scelte più ovvie e banali – nel soggetto, nella composizione o in qualsiasi altra cosa – che lo spettatore registra immediatamente come le più preziose, così come intuitivamente vengono alla mente o alla mano del fotografo.

Creano “punti di interesse” e la combinazione di questi crea uno stile. L’originalità dell’autore, che è alla base di tutto, può essere convenzionalmente definita come l’atteggiamento dell’autore nei confronti del suo stile, quando quest’ultimo lo stile è sentito anche come uno strumento.

Allo stesso tempo, la sottocorteccia non può essere ingannata: tutte le costruzioni non intuitive e inverosimili sono immediatamente riconosciute dallo spettatore come false e quindi poco interessanti. Un fotografo dovrebbe vedere la sua inquadratura un istante prima di scattare capita, naturalmente, che veda l’inquadratura, ma in realtà qualcosa non coincide o si intromette – ad esempio, uno sfondo sbagliato o persone in più, e deve stare attento a non rovesciarsi, mantenendo ciò che vede nella sua mente, portando la realtà alla sua idea in uno stato di fuoco . Dovete vedere in modo tale da suscitare in voi emozioni e tutto il resto, e poi avete la possibilità di dare allo spettatore un’inquadratura che “susciti” le emozioni e tutto il resto in voi.

“Non mi chiedo mai cosa dovrei fare. Me lo dicono loro stessi. Le fotografie si creano da sole con il mio aiuto.

Ruth Bernhard

Lo spettatore è una buona cosa, ovviamente, ma non è inevitabile e non sempre. Se il compito è quello di capire se stessi ed è da qui che nasce l’originalità dell’autore , allora l’autore può essere uno spettatore abbastanza autosufficiente: si pensi a Gauguin, a Van Gogh, o alla tata di Chicago scoperta di recente, che ha passato la vita a fare quadri tranquilli per se stessa, che viene già paragonata quasi a Bresson anche se, se si ricorda che il paragone è con gli antiquari che devono vendere la sua collezione, allora non c’è dubbio .

In ogni caso, nelle prime fasi dello sviluppo fotografico, quando non si riesce nemmeno a spiegare a qualcuno al di fuori del proprio studio o a se stessi cosa sta accadendo nella propria immagine e cosa si vuole, non si ha bisogno di un pubblico

In questa fase un fotografo alle prime armi si trova di fronte, se lo impara seriamente, a un compito enciclopedico: provare il maggior numero possibile di soluzioni diverse a un determinato problema di ripresa, compresi timbri non troppo banali, e poi con attenzione, ricordando le parole di Asahara, esaminare i risultati e cercare di decidere da soli: cosa è mio, cosa non lo è in realtà è molto più interessante e piacevole di quanto si possa pensare senza pratica . Questa è una tappa importante: ogni tecnica è un mattone nel muro del tempio dello stile personale. E quando si ha una sorta di esperienza e di automatismo – è allora che uno spettatore esigente sarà prezioso.

“Non ho girato un solo fotogramma nel modo in cui volevo farlo. Vengono sempre fuori meglio o peggio”.

Diane Arbus

Una delle tentazioni più pericolose e dannose nell’apprendimento della fotografia, soprattutto all’inizio, è quella di cercare una rapida perfezione c’è una trappola simile nella pratica cristiana – quando un nuovo convertito cerca di diventare santo il prima possibile . Da dove viene questa perfezione nella prima fase??

Il più semplice e veloce è quello laterale. Ma la perfezione altrui, se si cerca di copiarla e di spacciarla per propria, spegne gli stessi impulsi da cui, con qualche fortunato sviluppo, potrebbe un giorno nascere una foto eccellente. In questo senso anche la favola di Ivan-Tsarevich, che bruciò precocemente la pelle di rana di sua moglie, può essere letta come un consiglio in codice per un giovane fotografo.

Indossate la pelle per tutto il tempo necessario, anche se non è Calvin Klein o indossatela con la vostra musa , dopo vi sentirete meglio. L’imitazione non solo non è fattibile, ma uccide la cosa principale che dovrebbe essere custodita e coltivata: l’origine personale dell’autore. E se si lascia che diventi un po’ più forte, allora succederà come nella barzelletta: “Quando sarò grande, ne avrò quanti ne vuoi”. È quindi altamente raccomandabile per un fotografo, soprattutto per un principiante, fare baldoria e sperimentare: è da una leggera, consapevole e deliberata imperfezione, dalle deviazioni dalle regole che emerge uno stile personale e, se si è un sano egoista, non c’è nulla di più importante di questo compito.

“Se un vaso antico è ben scolpito e ben dipinto, sarà bello anche solo per questo motivo. Ma non credo che lo stesso valga per la fotografia. Se non c’è qualcosa di un po’ strano, un po’ incompleto, sembrerà solo una copia di qualcosa di bello. È improbabile che ci interessi.

John Loengard

Naturalmente il mezzo fotografico è particolare. Un artista che conosco una volta si è stupito: “Quanto deve essere difficile per voi fotografi trovare un soggetto, far coincidere tutto e avere il tempo di scattare. Con noi, con gli artisti, è molto più facile: si impara, si sviluppa il proprio modo di fare e poi si dipinge a proprio piacimento.

C’è un motivo: un fotografo dipende molto di più dall’ambiente circostante. Per questo motivo si sta accumulando un assortimento di tecniche di ogni tipo, ovunque sia possibile. Ci sono tutti i tipi di trucchi durante l’esposizione cablaggio, ad esempio , ottiche fatte in casa e “Photoshop”. Tutti gli strumenti sono buoni, purché producano risultati. La tesi che la fotografia “pura” cioè senza Photoshop sia sempre superiore e migliore sembra in via di estinzione.

C’è qualcosa di sportivo in loro. È come dire che se un ninja uccide i suoi nemici con cinque armi diverse e l’altro con una sola e fidata katana, allora il secondo è superiore. Può darsi, ma non necessariamente: è molto più importante il numero e il tipo di nemici che l’uno e l’altro hanno ucciso. Anche se, naturalmente, se si è fanatici della katana, questo approccio diventa più comprensibile.

“La fotografia non si fa, si crea”.

Ansel Adams

Mentre parliamo di Photoshop, vale la pena ricordare un fatto un po’ spiacevole per i fotografi: Cartier-Bresson ha abbandonato la fotografia alla fine della sua vita e ha iniziato a dipingere. “Qui! – Un altro artista che conosco si è messo a piangere quando l’ha scoperto. – Voi fotografi siete dei feticisti! Un vero artista sa che tutte queste cose: la macchina fotografica e la pittura sono solo strumenti nelle sue mani!”Quindi forse Photoshop si unirà alla schiera un giorno”.

Ma torniamo allo spettatore. Il tema dello spettatore e, più in generale, dell’apprezzamento del vostro lavoro si riduce presto a una questione di ambiente e contesto culturale. C’è un forte legame con l’opera dell’autore. L’artista non vive in uno spazio senza aria e il nutrimento della società è molto importante per lui. Naturalmente, la società a prima vista è ampia e nella vita ordinaria nessuno si preoccupa di comunicare solo con una ristretta cerchia di pochi eletti.

Ma quando si tratta di matrice culturale, è un po’ più complicato. Di fatto, abbiamo adottato la fotografia occidentale come standard di eccellenza. Questo non sorprende, perché è andato lontano, e non c’è nulla di male in questo. Basta distinguere chiaramente, di volta in volta, due aspetti, il livello tecnico dell’esecuzione e il significato di ogni scatto concreto nel contesto culturale che lo ha generato.

Non si può fare a meno di notare che i progressi nell’adozione dell’esperienza occidentale nel primo ambito tecnico hanno superato di gran lunga i progressi nel secondo ambito. E questo è inevitabile: un fotografo cresciuto in un ambiente diverso ha grandi difficoltà a cogliere i significati intuitivi codificati nelle fotografie europee, così come il nostro artista non è fisicamente in grado di prendersi a cuore i problemi che turbano gli europei tanto da parlarne in un linguaggio intuitivo con uno spettatore europeo, per quanto attentamente formi i più rumorosi capolavori europei.

“In ogni immagine ci sono sempre due protagonisti: il fotografo e lo spettatore”.

Ansel Adams

Non c’è bisogno di andare lontano per trovare degli esempi. Qualsiasi fotografo principiante, se si impegna a sufficienza, può padroneggiare le tecniche professionali della fotografia di moda occidentale contemporanea. Ma poche persone capiscono veramente la fotografia d’arte moderna occidentale, non applicata, come quella della moda e della pubblicità.

Non si tratta solo degli esperimenti di qualcuno: anche il lavoro di Andreas Gursky, il cui status di maestro è confermato da vendite milionarie, provoca un leggero disagio: ci stanno ingannando?? Chi è questo Warhol dei nostri giorni?? E solo i molti zeri nei report delle aste sono in qualche modo rassicuranti. Sembra che non si lasceranno ingannare per una cifra del genere.

Dove stiamo andando a parare?? Gursky è solo un esempio per chiarezza. Il punto è che impariamo i trucchi tecnici e anche solo a notarli molto più velocemente di quelli semantici. Non è una situazione ideale, ma è onnipresente. E la conclusione è la più banale: bisogna imparare! Non solo il “come”, ma anche il “che cosa”, il “che cosa” e il “perché”. Dato che stiamo parlando dell’inizio dell’autore, sarebbe bene cercare di fare in modo che la testa non resti molto indietro rispetto alle mani. E succede, oh, succede!

“La fotografia in sé non mi interessa. Voglio solo catturare un piccolo pezzo di realtà”.

Henri Cartier-Bresson

Buona ripresa!

Le riprese in studio anche se qui di studio si tratta solo di un paio di luci softbox in una stanza normale dovrebbero essere riempite di contenuti allegorici, laddove possibile, perché il loro significato letterale rischia di essere banalizzato. La maschera del vivo e del senza vita, la ragazza nuda e mascherata allo stesso tempo, la madre e il bambino: qui vengono messe a tacere diverse domande “eterne”, alle quali i fotografi risponderanno finché vivranno. Come ai tempi della pellicola, gli scurimenti o gli schiarimenti locali che venivano effettuati al momento della stampa rimangono potenti mezzi espressivi. L’intero bordo destro dell’inquadratura è scurito, mentre i volti della bambina e della bambola sono evidenziati.

Canon EOS 5D, 70-200/4L a 105 mm, ISO 200, 1/125 c, f/11, modalità manuale.

Uno dei soggetti che vediamo a dozzine ogni giorno, ma questa volta sono riuscito a farlo uscire dal flusso visivo. L’inquadratura si scompone in diverse parti ambiguamente collegate tra loro, e i loro rapporti sono il suo principale interesse, anche se l’ovvia giustapposizione della tenda da sole scarlatta in alto e il suo riflesso nello specchio rotondo dominano senz’altro. L’inquadratura ha dovuto essere “photoshoppata”: il bordo della tenda inclinata è stato messo in evidenza e i dettagli bianchi accecanti a sinistra della tenda sono stati scuriti in modo che non fossero la parte più luminosa dell’inquadratura. Preso in fuga nella via dello shopping di Kemer in Turchia.

Canon EOS 5D, 24-105/4L a 47 mm, ISO 200, 1/200 sec, f/9, compensazione dell’esposizione -1/3, priorità diaframmi.

La creatività nella fotografia in studio richiede immaginazione, facilità di movimento, assenza di pigrizia e talvolta di teppismo incosciente. I dettagli espressivi sono estremamente importanti: come in questo caso, ciglia finte e un diadema improvvisato. La monocromia elimina le informazioni di colore non necessarie e crea un’immagine monolitica.

Foto di Yegor Narizhny.

Canon EOS 5D Mark II, 70-200/2,8L a 95 mm, ISO 100, 1/200 c, f/9, modalità manuale, luce in studio.

Capita spesso di fotografare uno spazio che ci piace e poi, guardando l’immagine sul monitor, ci si rende conto che non è un’inquadratura ma un buon sfondo per un fotogramma, manca un personaggio principale o un’azione. Ho scattato questa foto, interessandomi alla grafica delle ombre e delle colonne. Tuttavia, è molto probabile che se non soffiasse la brezza e la tovaglia del tavolo lontano non fosse leggermente modificata, lo scatto fallirebbe e finirebbe nella sezione “Luoghi in cui non accade nulla” come molti altri. Prima conclusione: quando si scatta, prestare attenzione ai cambiamenti di stato di tutti i dettagli che entrano nell’inquadratura e rispondere in modo rapido e intuitivo. Conclusione numero due: fare più scatti. Questo scatto era uno dei circa cinque e, sebbene siano stati tutti realizzati nell’arco di un minuto, sul monitor appaiono tutti diversi.

L’uso di Photoshop riduce la saturazione dei colori e regola leggermente la luminosità.

Canon EOS 5D, 24-105/4L a 45 mm, ISO 100, 1/400 c, f/10, compensazione dell’esposizione +1/3, priorità diaframmi.

Questa è una sartoria in una strada di Vientiane di notte, in Laos. I manichini con le giacche non rifinite hanno un aspetto molto significativo di notte, alla luce senza vita delle lampade fluorescenti.

La fotografia notturna è un tesoro inesauribile di soggetti bizzarri – in senso buono – che presentano cose familiari in modo insolito. Non è necessario un treppiede per questo: uno stabilizzatore e una fotocamera che scatta ragionevolmente bene ad alta sensibilità offrono un ampio margine di manovra e consentono di mantenere una risposta diretta, mentre un treppiede richiede già un approccio accorto. Il passaggio al digitale ha trasformato completamente la mia fotografia notturna, almeno a colori. Nelle mostre di diapositive era necessario un buon spotmetro per effettuare una dozzina di misurazioni, mentre ora è sufficiente uno scatto veloce e alcune correzioni rapide.

Anche gli scatti notturni sono interessanti, in quanto consentono di conservare un tripudio di colori con la luce artificiale. Si consiglia di scattare in formato RAW.

Canon EOS 5D, 24-105/4L a 40 mm, ISO 1600, 1/10 sec, f/5,6, compensazione dell’esposizione -1, priorità di apertura.

Dalla serie “La vita delle modelle”. Il cinguettio eccessivamente allegro delle giovani modelle in un servizio di moda può portare a questo tipo di teppismo che riflette l’eterna divisione della percezione maschile delle donne in due parti diseguali: sopra e sotto il collo. In quel momento mi sembrò che sarebbe stato meglio tenere la testa fuori dall’inquadratura.

Ciononostante, l’immagine è risultata abbastanza integra, vivace ed emotiva, e persino “riscaldata” dalla gamma di colori saturi.

Pentax 645, 75 mm, Ektachrome 100S, 1/60 c, luce da studio.

Una scena di strada a Istanbul nello spirito del reportage degli anni ’50-’60: un momento catturato, uno sguardo espressivo, un vago preambolo. Questo stile è stato un’intuizione creativa delle possibilità tecniche allora emergenti del catch-and-shooting senza molti preliminari, e la sua filosofia è incentrata sulla transitorietà e sull’unicità del momento, sull’estetica del fugace. È un peccato che, quando le doti tecniche delle macchine fotografiche sono cresciute ancora di più e la capacità di catturare un momento dal flusso del tempo è diventata qualcosa di scontato, abbia smesso di ispirare i fotografi.

Olympus E-3, Zuiko Digital 14-42/3.5-5.6 a 23 mm Eq . 46 mm , ISO 100, 1/160s, f/4,5, compensazione dell’esposizione -1/3, priorità diaframma.

In questo scatto, i “protagonisti” sono il muro della cattedrale e la sagoma nera in primo piano. Non è chiaro chi dei due sia il “protagonista”, e questa vaghezza è la causa della tensione del racconto.

È interessante notare che il lato sinistro dell’inquadratura appare un po’ vuoto, ma resiste attivamente ai tentativi di ritagliarlo o ridurlo diversi tentativi hanno dimostrato che è meglio lasciare l’inquadratura così com’è .

Pentax 67, 90 mm, pellicola in bianco e nero.

Trasferendolo in bianco e nero, spesso si sottolinea la trama, variegata come il mare della vita, e la si mette al centro dell’immagine. Il centro semantico di questo scatto fugace, realizzato durante un ballo scolastico, è la schiena involontariamente muscolosa della ragazza, mentre tutto il resto funge da sfondo, da habitat se vogliamo, e l’allacciatura da piedistallo. Come la suite fa il re, così il centro dell’immagine soggetto, composizione, ecc. . d. non vive senza i suoi numerosi subordinati e dettagli periferici, che occupano molto più spazio nell’inquadratura rispetto al centro stesso. Ecco quindi un consiglio pratico: non abbiate fretta di ritagliare dettagli poco importanti e, se decidete di farlo, tornate indietro combinazione di tasti Ctrl+Z alla versione iniziale e verificate di nuovo se lo scatto è migliorato e se ha perso alcuni dettagli compositivi non evidenti ma importanti. Foto di Egor Narizhny.

Canon EOS 5D, 70-200/2,8L a 70 mm, ISO 1250, 1/160c, f/5, priorità diaframma.

I dettagli architettonici possono essere espressivi e talvolta sembrano addirittura vivi, come in questo caso, dove una finestra in mattoni di un’antica casa romana comunica da secoli con un foro circolare se solo si sapesse di cosa si tratta . L’inquadratura originale era molto più grande per un motivo prosaico: all’epoca non avevo ancora risparmiato per un set con questa macchina fotografica e l’inquadratura mostrava che sarebbe stato meglio tagliare il cerchio in un unico pezzo e non fare troppa confusione con il rapporto d’aspetto della parete vuota sotto e sopra la finestra.

Macchina fotografica Pentax 67, 90 mm, pellicola in bianco e nero.

I muri strutturati degli antichi quartieri di Atene sono una vera tentazione per i fotografi. Come sempre, la gamma di bianco e nero enfatizza la texture, e qui ce n’è in abbondanza: foglie scure e nitide, muri ruvidi e camminamenti imbiancati. I piani attivi parete sono insolitamente espressivi di per sé, ma richiedono un attento “gioco” con i dettagli d’accento e l’ambiente circostante. Per ottenere un risultato interessante è necessaria la pratica e un’attenta valutazione.

Pentax 67, fotocamera da 55 mm, pellicola in bianco e nero.