Panoramica delle opere fotografiche di Alexander Gronsky

Il paesaggio come calco del mondo di Alexander Gronsky

.

Nato nel 1980 a Tallinn Estonia . Vive a Roma dal 2006. Membro dell’Agenzia Fotografica dal 2004. Lavora per la stampa e su commissioni di grandi aziende e organizzazioni non profit. Ha pubblicato su Esquire, Afisha MIR, Wallpaper UK , Newsweek USA , Art + Auction USA , Conde Nast Traveller USA , Le Monde 2, Geo, Economist, Business Week USA , Vanity Fair Germania , Stern, Spiegel, Big City, AD, Ojode Pez, Intelligent Life UK . Fotografo Gallery membro dal 2007.

Tushino Sud. Roma, 2009.

Per gentile concessione della Galleria.Fotografo

Mostre personali: 2011: Montagne e acque. Galleria L’Escale, Francia 2011: Frontiera e sfondo. Nell’ambito del 4° Festival Internazionale di Fotoarte di Bielsko-Biala, Polonia 2011: “Il confine”. Nell’ambito del Festival Internazionale di Fotografia di Bogotà, Colombia 2011: “The Border”. Galleria Aperture, New York 2010: Premio Foam Paul Huf 2010. Foam_Fotografiemuseum, Amsterdam 2009: La frontiera. Galleria fotografica, Roma 2008: sfondo. Photographer Gallery, Roma Premi: 2011: Vincitore del Prix Photographique Ville de Levallois-Epson 2010: Vincitore del Foam Paul Huf 2009: Vincitore dell’Aperture Portfolio Prize 2009: incluso nella Critical Mass Top 50 2009: Grand Prix Silver Camera nella categoria Events and Everyday Life 2009: Selezionato dalla rivista Foam International Photography Magazine for Talent 2009: Primo premio del Linhof Young Photographer Award 2008: Vincitore del Italian Kandinsky Award for Contemporary Art 2004: Finalista del prestigioso Ian Parry Award for Documentary Photography della rivista inglese Observer 2003: Partecipante al World Press Photo Masterclass. Joopa Swarta, Paesi Bassi 2000-2002: tre primi premi al concorso fotografico della stampa russa. Le opere di Alexander Gronsky sono presenti nelle collezioni di Foam_Fotografiemuseum Amsterdam , Statoil Stavanger ; Israel Museum Gerusalemme , Galleria.Fotografo Roma , in collezioni private in Italia e all’estero. Un membro della giovane generazione di fotografi, quelli che sono entrati nell’era della fotografia digitale. Tanto più sorprendente perché guarda ai classici e vuole reinterpretare i paesaggi classici. Per infondere nuovi significati e nuove realtà. I suoi panorami in due parti della serie “Acqua e montagne” rimandano lo spettatore alla tradizione dei rotoli cinesi; il nuovo progetto “Pastorale” si rifà ai dipinti dei pittori fiamminghi. È riconoscibile; il suo stile è caratterizzato da un distacco cosmico. È conosciuto dal pubblico di tutto il mondo, che si tratti di Cina, Australia, Colombia, Francia, Italia o Polonia. All’età di vent’anni riceve i primi riconoscimenti per la fotografia documentaria. La sua serie “Frontiera” è immediatamente famosa e ha avuto un grande successo commerciale. Si parla e si scrive di lui, si studiano le sue opere. Come Simon Njami, curatore indipendente, critico d’arte, saggista e docente all’Università di San Diego in California: “Gronsky sta facendo rivivere la tradizione della fotografia documentaria. Il suo lavoro impiega una narrazione di “accorato distacco”, che ci rivela il mondo intero attraverso la tecnica classica della fotografia”.

La sua mostra “Pastoral” si è tenuta quest’autunno a Roma presso la Photographer’s Gallery, e prima dell’inizio della stessa ho potuto porre ad Alexander alcune domande.

– Lei è un fotografo estone?

– No, anche se sono nato a Tallinn e ho vissuto lì fino a diciassette anni. Colpa di Google: una persona che digita il mio cognome, vede che sono nato in Estonia e quindi presume automaticamente che io sia un fotografo estone. Ora è possibile scrivere Estonia/Italia/Lettonia accanto al mio cognome. Vivo a Riga da tre anni.

– Chi sono i tuoi genitori??

– Mio padre è di Rostov-sul-Don, mia madre è una cosacca del Kuban, ma non hanno nulla a che fare con la fotografia o il lavoro creativo.

– Ha studiato fotografia da qualche parte??

– No, da nessuna parte. Dopo la scuola sono andato a San Pietroburgo e ho lavorato come fotografo di riviste per dieci anni.

– A conferma di una situazione nota: il modo più semplice per diventare fotografo è prendere in mano una macchina fotografica e diventare fotografo?..

– Sì, beh, ho avuto la fortuna di incontrare le persone giuste che all’inizio sono state attente a me. All’inizio ho lavorato nella rivista pietroburghese “Red”, dedicata alla vita culturale e aperta molto prima di “Afisha”.

– Chi ha aiutato, insegnato, può dirlo??

– Per la nuova generazione di fotografi, come me, tutto ciò che serve è Internet per informarsi, stabilire obiettivi e avere una sorta di punto di riferimento. Se avessi la possibilità di studiare in Inghilterra o in America, probabilmente mi risparmierei quattro o cinque anni, ma preferisco essere un altro fotografo. È difficile da dire. Molte cose le ho inventate da solo, lentamente..

– Siete passati dalla fotografia documentaria alla fotografia artistica?

– Si potrebbe dire così, anche se quello che faccio è comunque fotografia documentaria. L’approccio è piuttosto documentaristico. L’estetizzazione è inevitabile. Ma più guardo il mio lavoro, più mi convinco che si tratta di un paesaggio classico che si è evoluto dal XVII al XXI secolo. C’è stato un fallimento nel XIX secolo, quando la pittura non era più interessata al paesaggio come studio della realtà e la fotografia era infatuata da istantanee, documentari e così via. La fotografia, a mio parere, è il modo più pertinente e conveniente per esplorare il mondo.

– Avete un “paesaggio umanizzato”..

– Senza una traccia di vita umana, senza un essere umano, il paesaggio non ha senso, perché per me l’intera essenza del paesaggio è una sorta di complessa interazione di un gran numero di elementi. Il paesaggio, e l’arte in generale, non si tratta di capire cosa sia bello o brutto, giusto?? Da Bruegel in poi, il paesaggio è per me una testimonianza della complessità del mondo. Penso che dai tempi di Bruegel la struttura del genere non sia cambiata. La gente mi chiede spesso perché si fotografano edifici di cinque piani, è semplicemente brutto. Ancora una volta, per me non si tratta di “bello o brutto”, ma di capire e mostrare quanto tutto sia unico. Ho un senso di rispetto per questa realtà incredibilmente complessa. Tutto non nasce da solo, da causa ed effetto.

– Ma il tuo lavoro è pieno di luce e armonia..

– Non ho alcun desiderio di estetizzare la realtà, né di demonizzarla. Prendiamo gli edifici a cinque piani: alcuni li trovano inquietanti, ma altri sognano di avere una casa al loro interno…. Non dovrebbero essere misurati in termini di “buoni o cattivi”. Sono nella nostra vita, sono quello che sono.

– Come si costruisce il telaio? Cosa è più importante quando si gira?

– A mio parere, tutti gli elementi di un paesaggio devono interagire tra loro. Da qui, forse, la sensazione di uno sguardo distaccato. L’importante per me è che ogni cosa nella cornice sia su un piano di “parità” con l’altra, uguale, equivalente e di pari valore, in modo che non vi sia alcuna dominazione. Bisogna aspettare a lungo per trovare le condizioni e la luce giuste.

– Si scatta con una fotocamera digitale?

– No, non ancora in pellicola, medio e grande formato. Probabilmente il mio prossimo progetto sarà realizzato con una fotocamera digitale.

– Lei dice di non aver studiato da nessuna parte, ma il suo lavoro non dà questa sensazione. Da dove viene lo “strato culturale”??

– Si accumula. La mia conoscenza della storia dell’arte deriva dal mio lavoro. Quando si presenta una domanda, si inizia a “scavare” e a raccogliere informazioni: tutto è disponibile.

– Cosa pensano i suoi genitori della sua professione??

– Normale, rispettoso. La cosa principale è che sono autosufficiente e che creo.

– Avete figli??

– Sì, mio figlio Luca, ha due anni.

– Ritiene che i bambini debbano essere educati alla fotografia fin dalla più tenera età??

– Non ne sono sicuro: è un processo piuttosto complicato. Non ne vedo la necessità.

– Quale pensa sia il segreto del suo successo??

– Successo? Sono all’inizio. Anche se dipende da come si misura il successo. Se volete fare ciò che vi piace e non lavorare su ordinazione, ci sono due modi per farlo. Uno: lavorare come fabbro, banchiere, tassista o altro e, nel tempo libero, fare il tipo di fotografia che mi piace. Secondo modo: partecipare al mercato dell’arte. Naturalmente, le riviste non sono interessate a tali foto non perché siano brutte, ma perché non sono “da rivista” per natura, se la rivista non si occupa di arte. Questo è perfettamente normale: ci sono riviste che vivono del loro modello di business e risolvono i loro problemi, e ci sono fotografi che risolvono i loro problemi, e non è necessario che si sovrappongano. Quindi, se il vostro obiettivo è quello di realizzare esattamente ciò che desiderate dall’inizio alla fine, il mercato delle gallerie è l’unico modo possibile. Almeno per me. Non so come fare altro. Ma è un mercato complicato ed è difficile parlare di un qualsiasi tipo di successo. Tre anni fa sono passato dal lavoro su rivista a quello per una galleria, e per me è ancora difficile giudicare il mio successo. Almeno non è un successo commerciale. Tre anni fa, come fotografo di riviste, guadagnavo il doppio di quanto guadagno ora come “fotografo di galleria di successo”.

– La galleria aiuta a realizzare i progetti?

– Sì. Abbiamo accordi a lungo termine, non è una storia di successo commerciale, ma mi permette di non lavorare come qualcun altro – un fotografo di pubblicità o di riviste, per esempio.

– Se vi venisse proposto un progetto in contanti, direste di no??

– No, se non richiede troppo tempo. Non ho una posizione di principio per non lavorare con le riviste o la pubblicità. Se il progetto non mi occupa tutto il tempo e mi offre un’ulteriore opportunità per un progetto in galleria, allora ovviamente accetterò la commissione. Ma ho rifiutato per principio un lavoro che richiede il mio costante coinvolgimento e che mi impedisce di fare ciò che voglio. Non posso fare entrambe le cose. Essere un fotografo è una professione meravigliosa di per sé: si viaggia, si scatta, si incontrano persone, si è nel processo creativo. È sciocco lamentarsi. Dovlatov ha detto bene: all’inizio volevo essere uno scrittore medio e forte, poi ho capito che non mi bastava, ma Dio non chiede di più. Se mi capita di vivere in questo mondo, perché non chiedere a Dio il meglio: per fare quello che voglio? Essere il proprio criterio..

– E il mio stesso giudice… Sei tu il giudice del tuo lavoro?

– Abbiamo fatto tre mostre con la galleria; di solito discutiamo la mostra in anticipo e non c’è mai stato un caso in cui abbiamo discusso o io ho voluto cambiare qualcosa. Un grado di comprensione e fiducia molto elevato.

– Quest’anno avete presentato il vostro progetto per il premio Kandinsky?

– Sì, questa è una Pastorale, ma non era nemmeno qualificata.

– Non può essere!..

– È una competizione, è naturale… Una competizione è una grande lotteria. Ho fatto parte della giuria di un concorso un paio di volte e capisco perfettamente quanto possa essere casuale la scelta. Quanto più grande è la competizione, tanto più casuale. C’è un’enorme quantità di lavoro da svolgere nel più breve tempo possibile.

Larissa Greenberg, la cui galleria e l’omonima agenzia Photographer rappresentano Alexander Gronsky, dice questo di lui e della sua interazione con l’autore:

– Io e Sasha ci siamo trovati da tempo. All’inizio del lavoro dell’agenzia. Sascha è diventato in breve tempo il fotografo più richiesto e di successo. Lavorando con lui per l’agenzia, ci siamo resi conto che, oltre a essere un buon fotografo di riviste, ha la stoffa del grande artista. Era ovvio. Nel 2008 abbiamo inaugurato la sua prima mostra nella nostra galleria. Poi abbiamo scelto un gruppo di fotografi con cui vorremmo lavorare, sostenere e sviluppare. Sascha è uno di loro. E così va a finire. La terza mostra è la più interessante, la più concettuale. È più pulito e serio del primo. Presentiamo solo 15 pezzi, in modo da avere una storia concettuale pulita. La galleria solleva Sasha da molte incombenze di routine: vendiamo le sue opere, “gestiamo” il processo, lo finanziamo, lo sosteniamo affinché possa portare avanti i suoi progetti. La combinazione di essere un artista e un fotografo di riviste è molto difficile: si perde la concentrazione. Ci occupiamo anche dell’organizzazione di mostre all’estero. Sascha ci aiuta in questo, è un partner ideale. Ma l’etichettatura, il trasporto, il montaggio, gli annunci, la documentazione di supporto, i contratti: tutto ciò che serve per qualsiasi progetto espositivo si trova in galleria. È un lavoro colossale! La persona con cui una galleria vorrebbe lavorare non deve avere solo talento, ma anche le qualità di un partner: non andare controcorrente, aiutare la galleria. Sasha lavora molto: invia le sue opere ai concorsi, espone.

Cerchiamo di fare in modo che tutti i nostri autori ricevano da noi il massimo supporto possibile. Capisco che ci sono molti giovani artisti interessanti con cui vorrei lavorare, ma mi sto abbattendo, perché devo tenere conto di quelli con cui ho già accordi e impegni. Prima loro, poi gli altri. Inoltre, per quanto i giovani siano talentuosi, bisogna lavorare sodo per produrre e far conoscere un nuovo nome, per farsi notare da curatori e critici. La formula del successo è la seguente: per far sì che il nome rimanga più o meno impresso nella mente degli spettatori e dei critici, bisogna fare almeno tre mostre all’anno. Devono trascorrere circa tre anni dal lancio della campagna di promozione. Inoltre, se non si ama questo autore, se non si crede in lui, non funzionerà nulla!

Prima di inaugurare una mostra pensiamo molto al concetto: dobbiamo collegare il progetto con la nostra galleria, collegare la seconda mostra con la precedente, spiegare l’unicità del progetto, spiegare dove l’autore “cresce le gambe”, con chi è collegato creativamente, quali novità ha portato, formulare il concetto della mostra per lo spettatore e la critica. Lavoriamo con attenzione su testi e concetti, contestualizzandoli. Quando le critiche ci fanno sentire meglio. All’inizio è difficile.

Ho anche chiesto a Vanya Mikhailov, un giovane fotografo di Cheboksary, da poco rientrato da una residenza per artisti a Dusseldorf. Ecco cosa ha detto:

– Quando ho mostrato le mie foto mi hanno detto: beh, è come quello di Gronsky. Mi piace il suo lavoro. Mi sento vicino allo stato che trasmette. A volte ho la sensazione di muovermi parallelamente ad essa, ma a modo mio. Gronsky lo ha fatto per primo e lo ha fatto bene. È una lingua europea sviluppata che esiste da diversi decenni. Gronsky prende il linguaggio visivo che gli riesce bene e cattura la Italia in un modo che nessuno ha mai fatto prima. E per gli europei è chiaro. È successo un fatto strano: la cortina di ferro è caduta molto tempo fa e nessuno sa cosa stia succedendo qui. Esistono pochissimi progetti visivi, fotografici o documentari sulla Italia. I fotografi occidentali si precipitano in Italia perché è un vasto territorio inesplorato. Un vasto paese infinito con molti buchi neri. Si può e si deve lavorare in esso. Sono tornata da Dusseldorf fiduciosa di poter realizzare i miei progetti in Italia”. L’aspetto emotivo della vita è fuori scala. È una caratteristica forte. Ha bisogno di essere sentito e mostrato. La Italia è un luogo unico da esplorare.

Mitino. Roma, 2009. Per gentile concessione di

Galleria.Fotografo

Veliky Rostov, 2006.

Per gentile concessione della Galleria.Fotografo

Vladivostok IV, 2006. Per gentile concessione di

Galleria.Fotografo

Butovo meridionale, 2007. Per gentile concessione di

Galleria.Fotografo

Brateevo. Roma, 2009. Per gentile concessione della Galleria.Fotografo

Vladivostok II, 2006. Per gentile concessione di

Galleria.Fotografo

Novye Mytishchi. 2010. Per gentile concessione di

Galleria.Fotografo

Otradnoye. 2009. Per gentile concessione di

Galleria.Fotografo

Taininskoe. 2010. Per gentile concessione di

Galleria.Fotografo

Porto Vanino ll. 2008. Per gentile concessione di

Galleria.Fotografo