Critica fotografica di Rozov: liberare i palloncini colorati

Diverse raccolte precedenti di foto da analizzare contenevano opere molto competenti inviate ai nostri concorsi. Mi sembrava che l’educazione fotografica primaria fosse penetrata profondamente nelle masse, e che fosse lasciato alle recensioni il compito di evidenziare i grandi successi e le piccole omissioni. Tuttavia, i file che mi sono stati inviati questa volta non sono, ahimè, così lussuosi. Dobbiamo tornare alle cose semplici: inquadrare e mettere in evidenza.

La rubrica “Fotocritica” è curata da Georgy Rozov, noto fotografo e insegnante, autore di libri popolari sulla tecnica e l’arte della fotografia.

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1. i 2.”Vendere sogni”

Alessandro

Durmanenko. Lutsk, Ucraina.

Fotocamera Panasonic Lumix DMC-FS37.

Apertura f/4,7

Velocità dell’otturatore 1/500s

ISO 100

Tradurre in B/N

Un francobollo è il nome che il fotografo dà a una tecnica luminosa, usata spesso e da molto tempo, e quindi noiosa per tutti nel mondo. Ecco cosa succede quando ci si nutre della stessa deliziosa torta dalla mattina alla sera. Si vuole subito qualcosa di forte, salato, aspro, ma non dolce.

L’opera di Alexander non è solo un francobollo, ma un francobollo molto comune. Questa tecnica di sbiancamento o sottocolore incompleto viene solitamente applicata nella fotografia pubblicitaria per attirare l’attenzione su una parte importante della composizione, come la copertina di una rivista. In un ritratto, ad esempio, tutto era scolorito, lasciando solo le labbra di un rosso brillante. Ancora oggi è possibile vedere un parziale sbiancamento negli spot televisivi, e gli spettatori lo accettano tranquillamente, senza protestare: il mondo della pubblicità è condizionato, ogni tipo di finzione è possibile in esso. Ma il quadro di genere di Alexander Durmanenko non è affatto una pubblicità per le biglie. Si tratta di sogni femminili. Per questo motivo l’evidenziazione del colore delle palle non è giustificata in alcun modo.

Dubitando dell’opportunità di applicare il cliché pubblicitario alla fotografia di genere, ho deciso di riportarlo al suo “stato primordiale”. E poi l’ha ritagliata, eliminando tutto ciò che sembrava superfluo.

I miei vecchi mi hanno insegnato in gioventù: se si può tagliare qualcosa da una fotografia senza influenzarne la percezione, significa che non è stata pensata bene. Dopo alcune semplici manipolazioni, l’immagine è diventata uno studio di genere piuttosto decente.

3. “E arrivò l’inverno”

Evgeny Turkov. Penza.

Nikon D90

Obiettivo Nikkor 18-105 mm f/3.5-5.6G AF-S ED DX VR

Apertura f/9

Velocità dell’otturatore 1/125 sec

Sensibilità ISO 200

La foto elegiaca di Evgeny Turkov mi ha stupito per la sua precisione tecnica e compositiva. La pulizia e la freschezza umida del tardo autunno Italiano. A mio parere, nell’immagine originale inviata dall’autore avrei dovuto solo aumentare leggermente il contrasto con l’aiuto delle curve in “Photoshop”, perché cercando di non perdere la consistenza della neve, Evgeny non ha impostato il punto di nero e il punto di bianco. Il risultato è che l’immagine appare grigia. Inoltre, non volevo rischiare di perdere i dettagli nelle alte luci e ho deliberatamente smorzato i toni nella seconda e terza zona della scala Adams. L’immagine è diventata nitida e vivida.

Per coloro che trovano troppo complicata la menzione della scala Adams, vi dirò che si tratta di dieci quadrati dipinti con una tintura grigia e incolore . Dal bianco perfetto, al grigio, al nero pesto. Lo si può leggere, ad esempio, nel mio primo libro “Come sparare. L’arte della fotografia” .

4. “E silenziosamente la nebbia galleggiava”

Evgeny Turkov. Penza.

Nikon D90

Obiettivo Nikkor 18-105 mm f/3.5-5.6G AF-S ED DX VR

Apertura f/9

Esposizione 1/125 sec

Sensibilità ISO 200

Un altro paesaggio di Yevgeny Turkov. Prima di scriverlo, l’ho mostrato ad alcune ragazze che guardano molte foto diverse ma non si fotografano. Il quadro è piaciuto quasi incondizionatamente. Arioso, delicato, toccante. Questa è la voce del popolo.

Ma io, in virtù del mio coinvolgimento diretto nel processo, sono stato immediatamente colpito dalle “orecchie del fotografo”. Ho fotografato la nebbia più di una volta, al mattino e alla sera, in pianura e in montagna. Conosco bene l’aspetto della nebbia nelle fotografie, per questo alcune incongruenze mi fanno male agli occhi. Eugene ha probabilmente scattato sul lago al mattino e ha visto la nebbia con i suoi occhi, ma non era soddisfatto del file ottenuto.

“Photoshop” fa al caso nostro, se sappiamo usarlo correttamente, ma in questo caso il grado di padronanza di questo meraviglioso programma non permette ancora a Eugene di disegnare la nebbia “giusta”. I difetti sono troppo evidenti e impediscono di credere e di sentire. Chiarisco: l’area di evidenziazione della barca non è allineata e rimane come un leggero punto rettangolare; la nitidezza dei contorni della barca, delle aste, dell’elaborazione del volto del pescatore non è molto diversa dagli stessi parametri dell’immagine nella profondità dell’inquadratura. Nella nebbia, la prospettiva tonale, cioè la dispersione della luce, ha dovuto intaccare la nitidezza, il dettaglio, il contrasto della staccionata e della vegetazione dietro di essa, per non parlare della casetta a sinistra.

In breve, la nebbia non assomiglia a quella vera. Dal mio punto di vista. Ma è probabile che questo rimanga un mistero per la maggior parte degli spettatori. Ma questo tipo di conforto mi avrebbe solo incoraggiato a iniziare a leggere libri su “Photoshop”.

5. “Crow River

Sergey Gritsko. Regione di Tambov.

Fotocamera Sony A550

Sergey ci ha inviato un tipico paesaggio della Italia centrale. Un prato alluvionale con un fiume, erba verde e perfino una barca. Mi piace il luogo scelto dall’autore, quindi è un peccato che Sergei non sia riuscito a spremere tutte le caratteristiche dell’inquadratura. Ci sono diversi motivi.

Non è una buona scelta il punto di vista della fotocamera. La barca in primo piano sulla destra è l’unico oggetto costruito dall’uomo e già di per sé attira l’attenzione, ma da questo punto di vista la barca non è piacevole alla vista. Non solo è ritagliato in modo illogico, ma è anche quasi verticale nell’inquadratura, in contrasto con la diagonale del fiume. Sarebbe comprensibile se si trovasse parallelamente alla riva del fiume. In ogni caso, la presenza di un oggetto così appariscente nell’inquadratura avrebbe dovuto essere giustificata in qualche modo. Con l’accentuazione, la nitidezza, il contrasto o altro, ma la barca deve diventare un oggetto di ammirazione e diventare l’elemento principale dell’immagine. Tuttavia, ciò accade quasi automaticamente a tutto ciò che si trova in primo piano in un’immagine di paesaggio. E se non si riesce a rendere la barca bella, ha senso separarsene e fotografare ciò che la natura ha creato. Non sbaglia mai, il suo gusto è impeccabile.

Ecco perché l’erba verde chiaro a sinistra della barca diventa l’elemento principale in questo caso, ma non è nemmeno così bello come si vorrebbe. Se si osserva attentamente il colore delle foglie in primo piano, si rimane sorpresi nel constatare che sembrano spruzzate dello stesso colore, senza sfumature. Questo tipo di deprimente monotonia può essere ottenuto aumentando artificialmente la saturazione durante la conversione di un file RAW. Di conseguenza, volumi e texture scompaiono e l’immagine diventa piatta e inespressiva. Nota: solo l’erba in primo piano, a sinistra della barca, è saturata. E a destra si può vedere l’aspetto della vegetazione prima dell’elaborazione. Qui gli oggetti verdi sono tridimensionali e multicolori. Il mare di sfumature. E più avanti, nella parte posteriore dell’inquadratura, la vegetazione delizia l’occhio con la sua realistica varietà di colori.

Qualcosa di simile è accaduto al cielo quando l’autore lo ha sbiancato e scurito. Capisco: volevo un dramma prima della minaccia, o non mi piaceva la combinazione di cielo blu e erba giallo-verde. Spesso queste tonalità non vivono fianco a fianco. L’autore ci è riuscito: le dissonanze cromatiche sono scomparse, ma quelle compositive rimangono.

Il fatto è che la linea dell’orizzonte, che divide la fotografia esattamente a metà, sfida l’osservatore a decidere cosa sia più importante: la terra o il cielo. Il posizionamento della linea dell’orizzonte su una delle linee della regola dei terzi è dovuto al desiderio di risolvere la questione per lo spettatore, per liberarlo da una dolorosa analisi dell’immagine a livello compositivo. Sta a lui, allo spettatore, dire “wow”!”.

Tuttavia, mi capita spesso di vedere paesaggi meravigliosi con una divisione simmetrica dell’immagine in alto e in basso, e si tratta di paesaggi molto armoniosi e belli. La regola dei terzi sembra essere stata infranta in questi casi, e non è stata data alcuna punizione..

Osservando questo tipo di felici deviazioni dagli standard compositivi accettati, si scopre una spiegazione abbastanza logica del successo di. Da qualche parte la piena simmetria del cielo e il suo riflesso nel fiume, nella pozzanghera, nella pietra levigata, nella superficie metallica di un tavolo… Oppure un filo d’erba, un lampione, un bell’albero che si fondono in un’unica parte disintegrata della composizione.

Nell’opera di Sergei il cielo è vuoto, mentre la terra ha molto da guardare. Ecco perché suggerirei di optare per la parte inferiore del telaio. Il risultato è quasi un quadrato senza nulla di superfluo.

6. “Cuori”

Kateryna Moskaluk. Lvov, Ucraina.

Canon EOS 50D

Obiettivo Canon EF 28-135 mm f/3.5-5.6 IS USM

Apertura f/6.3

Velocità dell’otturatore 1/160 sec

ISO 100

Ottimo scatto di genere! Ekaterina è riuscita a combinare cose difficili da combinare: ha colto il momento dell’amore vivo, la libertà emotiva, l’incantevole tenerezza di due innamorati e allo stesso tempo ha messo insieme in modo molto preciso le due parti della fotografia. Nel terzo di sinistra regola dei terzi , il focus principale è “scuro su chiaro” e a destra, la seconda coppia, è “chiaro su scuro”. Il primo piano è il primo piano, la messa a fuoco è sui protagonisti, il momento decisivo è colto e quindi lo scatto è immediatamente leggibile. Gli spettatori non passano davanti a immagini come questa!

7. “Pasqua” di Tatiana Litvin. Kharkov, Ucraina.

Fotocamera Olympus E-M5

8. Pasqua versione ritagliata .Dopo un ritaglio stretto, l’elemento principale dell’inquadratura viene spostato nell’area dei terzi. A questo punto, sembrerebbe che ci si possa calmare e godere dei risultati. Tuttavia, ho cercato di scurire lo sfondo dietro il personaggio principale, in modo che le gocce d’acqua che formano l’arco dell’aureola fossero ancora più in contrasto con lo sfondo scuro.

La scena di genere girata da Tatiana è un buon motivo per riconsiderare il ruolo dell’inquadratura. Mi rendo conto di quanto sia difficile inquadrare una procedura così dinamica. Il sacerdote è solitamente imprevedibile: prevedere la traiettoria di un getto d’acqua santa non è un compito facile. Ed è più facile concentrarsi sul punto centrale che sulla periferia. Ecco perché l’alone luminoso delle gocce d’acqua si trova al centro dell’inquadratura. L’autore ha ritenuto che l’accento visivo e semantico fosse presente, che questo arco fosse l’elemento principale dell’inquadratura. Ma l’autore non ha avuto il tempo di pensare a cosa fare con il vuoto in cima alla composizione. In questi casi, ovviamente, è meglio sparare in qualche modo che non sparare affatto.

A casa, durante la conversione, si può pensare alla struttura compositiva dell’inquadratura e riordinarla. Regola principale dell’inquadratura: eliminare tutto ciò che non è necessario. Tutto ciò che ostacola una rapida lettura dell’immagine. Qui, ad esempio, il muro sopra le teste delle donne non aggiunge nulla. Può essere amputata ritagliando orizzontalmente. Ma poi si perde anche la testa? Ahimè! E la testa del sacerdote non è troppo importante. Può essere sacrificato. Inoltre, la striscia di luce che si è formata dietro il sedere è fastidiosa e distrae dall’alone di spruzzi. Anch’essa deve essere sacrificata. E cosa fare con la ragazza del protagonista?? Dovrebbe essere amputata anche lei?? Secondo me, è un peccato, sta strizzando gli occhi molto bene. Ma per essere un minimalista coerente, dovremmo tagliare!

Alla fine abbiamo ottenuto un buon ritratto di genere di una ragazza con un pane. Detto questo, vale la pena di piangere e sottolineare che l’efficienza del prezzo della matrice della fotocamera in questo caso è del 30%. In altre parole, l’opportunità di ottenere la foto più dettagliata non viene sfruttata in modo molto razionale. Un ritaglio stretto avrebbe migliorato sensibilmente il dettaglio dell’inquadratura cfr. foto 8 .

9. “Un giardino senza noia”

Alexander Tutaev. Dolgoprudny, regione di Roma.

Canon 5D Mark III

Modalità manuale

Obiettivo Sigma 85 mm/1.4

Apertura f/2

Velocità dell’otturatore 1/250 sec

ISO 3200

Tradotto in bianco e nero

L’impatto emotivo di un’immagine non è direttamente correlato al significato dell’evento o del fenomeno in essa raffigurato. Il lavoro di Alexander Tutaev è, a mio parere, quasi astratto. Cercate di descrivere a parole ciò che vi è raffigurato. Ho finito per elencare cose ordinarie: la sera, una panchina, un lampione, dei tronchi d’albero, una collina con delle foglie autunnali, una striscia di strada in primo piano… Sembra niente di speciale, ma l’immagine ti costringe a guardarla, ti attira in un mondo misterioso con gli occhi di un guardaboschi, la traslucida luce del crepuscolo. Sintonizza il vostro mondo interiore in modo speciale. Ecco perché si dice che alcune immagini sono “in the mood”. E in questo caso non voglio analizzare se l’autore ha usato correttamente o meno i trucchi di composizione. Il suo obiettivo è stato raggiunto.